Dosis Diaria de Origami

ENTREVISTA

2011-05-07T14:56:00.003-06:00

José Moctezuma me ha hecho una entrevista para su blog

http://www.viviendoentrepapel.blogspot.com

Al VIEJO ESTILO

2011-05-05T13:29:00.004-06:00

Un poco de origami al viejo estilo. Fácil y rápido ¿qué más puedo pedir?

FIGURA OCTOGONAL

2011-05-01T11:35:00.009-06:00

Por ser una figura de geometría octogonal y con un aspecto tan familiar, pensé que podría recurrir a referencias muy naturales y evidentes para hacerla. Nada más lejos de la realidad, tuve que recurrir al Reference Finder (Robert Lang) para encontrar el condenado punto que me diera el octógono exacto. Extraño para ser para una figura de tan solo 10 pasos.
Por otro lado, no tiene, ni es posible hacerle, trabas para cuatro de las aletas blancas, por lo que el modelo queda limitado a estar debajo de un vidrio...

PROYECTO FAUNA AUTÓCTONA

2011-04-27T12:42:00.005-06:00

Esta cotorra es parte de un proyecto, aun bastante difuso, de una serie de animales de fauna autóctona rioplatense.
Algunos objetivos: animales muy fácilmente reconocibles, posiblemente con cambios de de color evidentes o formas muy propias y que resulten sencillos de plegar. Esto es por la eventualidad que pueda convertirse en un libro destinado al público no especializado.
Como es bien sabido, hacer origami que sea fácil de plegar y a su vez reconocible es una tarea muy difícil.

TRADICIÓN EN CUARTA DIMENSIÓN

2011-04-25T09:02:00.005-06:00

La idea de hacer versiones de figuras tradicionales modificándolas a lo ancho con una superficie plana, no es nueva, pero no por eso es menos divertida.

El estilo recuerda a un diseño en madera o plástico.

Nunca ví una versión de la grulla tradicional.

La técnica, a la luz de lo que hoy en día se maneja en diseño de origami, es bastante evidente.

Se hace un injerto en franja en la diagonal del papel y el modelo se pliega en las dos mitades restantes del cuadrado.

La condición es que el modelo tenga "el lomo cerrado", de otra manera el injerto queda oculto del lado de abajo y el efecto se pierde totalmente. Un ejemplo de una figura tradicional de lomo abierto que no se puede hacer (...?) por esta razón es el cerdito tradicional.

Otra cosa interesante y bien conocida que encontrarán es que un injerto en franja en la diagonal vuelva a dar un cuadrado en el que plegar el modelo, sin embargo si la figura tiene simetría paralela al borde, cuando hacemos el injerto perdemos el cuadrado. Esto obliga a ingeniarse para resolver el problema.

En el caso de la grulla tradicional todo resulta bastante fácil, aunque en la zona central hay que trabajar un poco agregando algunas modificaciones para que el plano central del injerto se vea contínuo.

PALOMA

2010-12-27T18:24:00.004-07:00

Este es un modelo que hice hace un año más menos. Hace unos días encontré los prototipos y decidí recuperarlo.

La idea original de representar una paloma clásica con barras azules en las alas viene de Seth Friedman.

EXTRAÑO HALLAZGO

2010-11-13T13:38:00.003-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=4g8X-0xhIK0&NR=1

Adiós Eric

2010-10-11T09:15:00.003-06:00

Ayer nos dejó Eric Joisel, aunque algunos no hayamos tenido el placer de conocerlo personalmente, Eric de todas maneras nos dejó a todos y por eso lo tuteamos, como él hubiese querido.
Nos dejó una herencia rica de generosidad, humor y modestia que sólo pueden compararse a la capacidad de representar exactamente lo que él quería con precisión escultórica, en papel como nadie lo había hecho antes.
Su andar en este mundo, lejos de dejar un camino trunco, nos ha abierto, infinitas sendas a seguir.
Hoy quiero seguir la de la generosidad, el humor y la modestia. Talvez otro día, también la del papel.

FOLD THE WHALES

2010-04-14T09:03:00.006-06:00

Mi entrañable amigo Jamie Kelly está llevando adelante el proyecto Paper the World, algo así como Empapelemos el Mundo.
Especies protegidas o en peligro de extinción repesentadas en origami por autores como Bernie Peyton, Quentin Trollip y Joseph Wu son publicadas en este sitio web con sus diagramas y videos con las secuencias de plegado. Se encuentran también algunos cortos artículos y reseñas de los autores.
Diseñé esta cola de ballena para publicar allí.
En cuanto termine el diagrama se va a poder encontrar en
http://www.papertheworld.org

Gracias Jamie!

MEDIO ICOSAEDRO

2010-03-26T17:29:00.006-06:00

A partir de un triángulo equilátero se puede componer este medio icosaedro.

La figura sale de la búsqueda de un pseudomodular, una figura "modular" plegada a partir de un solo papel. Al fin y al cabo el origami es el arte de la ilusión y el engaño, de hacer parecer lo que no es.

A diferencia de un icosaedro "normal", este no está formado únicamente por sus caras externas sino por las caras visibles de diez pequeños tetraedros, pero cada uno tiene sus cuatro caras internamente en la figura.

FLORIPON FRACTAL

2010-03-04T06:56:00.005-07:00

Y esto se pone peligrosamente matemático sin quererlo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Fractal

A partir de una flor de la entrada anterior de este blog, surge este floripón, cuya característica es que se puede plegar otro igual pero más pequeño a partir del papel que queda más o menos libre en su centro, y luego se puede volver a hacer lo mismo y así sucesivamente hasta el infinito, o hasta que los dedos y el papel lo permitan.

Este no es un modelo teórico en su diseño, pues primero fue la figura y luego el CP, que en el caso de un fractal es una imagen preciosa.

El CP está dibujado para mostrar la estructura pero contiene más líneas que las que en realidad se necesitan para colapsar la figura.

El lado de atrás cubre totalmente la estructura interna con ocho gajos.

De las dieciseis puntas que surgen a partir del borde hay ocho que se ven desde arriba y otras ocho van hacia el centro cubriendo totalmente todo cambio de color en el lado de atrás.

Esto se repite a una escala cada vez más pequeña en cada generación de puntas, como en todo buen fractal.

ROMBOS Y FLORES

2010-02-24T07:02:00.004-07:00

"Flor Exótica", a falta de otro nombre. Esta flor es un diseño de ayer de tarde, hecha con las restos que aun me rondan la cabeza de lo que venía haciendo hace un poco menos de un año con rombos. En este caso los rombos pasaron a cometas colocadas en un círculo de ocho. Al ser el ángulo de 22.5° hay suficientes cometitas como para aplanarlas, pero la estructura central las mantiene semi cerradas formando como una sombrilla invertida.

El tallo es, evidentemente, otro papel.

Esta flor cuadrada fue la segunda que hice con rombos. Dos tamaños diferentes, uno para las hojas y otro más pequeño para los pétalos cambiados de color. Dada la distribución el papel no tiene lugar par aplanarse, muy conveniente para mantener la flor con muy buen volumen.

El centro espiralado complica bastante la confección, y en un reciente diagrama a publicarse en el anuario de la BOS, lo excluí totalmente.

A esta flor la presenté como "amapola". Originalmente en los archivos de mi computadora la tengo como "lirio no tradicional" por al parecido con el Lirio cuando los petalos se mantienen en forma de rombos.

Un típico modelo "de descubrimiento" aprovecha pliegues muy naturales y casi evidentes, pero a su vez tiene ingenio. Esta flor talvez sea más bonita de plegar que de mirar.

Un desarrollo teórico, evidente consecuencia del trabajo sobre rombos, dio por resultado un gran floripón bastante poco delicado, una especie de esquema de un girasol.

Ocho rombos sacados de las puntas y bordes rellenan los 360° y se aplanan dejando papel en el centro de sobra.

La hoja de Maple es el primer diseño de la serie, hecha en San Francisco durante los días de "PRO" mientras charlaba con un muchacho modestísimo y muy agradable llamado Satoshi que me enseñaba un diseño de hoja de Maple diez veces mejor.

Otras varias figuras que son parte de esta serie y de las que carezco de fotos son una flor hexagonal, unos tres o cuatro teselados de rombos y alguna flor más.

TAJADA DE SANDIA

2010-02-15T12:03:00.008-07:00

Construir poliedros usando ángulos múltiplos de 22.5° conlleva limitaciones interesantes. El problema surge porque no sólo tendremos los ángulos en un plano, sino también los que se forman al elevar esas formas geométricas en el espacio.
Ya hemos visto anteriormente cómo sólo se pueden hacer 2 tipos diferentes de tatraedros usando estos ángulos, y esto ha sido probado matemáticamente por Ignacio Royo.

La figura de la izquierda es uno de los tetraedros que se contruye con triángulos de la familia 22.5°, y esta es una posible manera de proyectarlo abierto sobre un plano.
A la derecha se muestra una pirámide de base cuadrada - figura de cinco lados- que en este caso también queda totalmente formada por ángulos múltiplos de 22.5°.

Combinando dos tetraedros y una pirámide en el centro se obtiene una figura en forma de cuña, o debo decir, de tajada de sandía.
Demasiado tentador como para no intentarlo: la tajada de sandía con ángulos naturales.

Al problema, bastante fácil por cierto, de la construcción de los poliedros, se suma el no siempre tan obvio de los cambios de color. Luego hay otros, doblabilidad, elegancia y sobretodo, las trabas.
En la lista también están la simplicidad y el aprovechamiento del papel.
Veamos los poliedros.
Los dos tetraedos comparten una cara cada uno con la pirámide, así que vamos a fusionarlos imaginariamente por dentro y obtendremos esto:Ahora vamos a pensar desde el punto de vista del origami.
Este desplegado no tiene espacio para cambios de color ni para las trabas.
Tanto uno como el otro requieren, muy groseramente descripto, que zonas del papel se superpongan.
En el caso de este cambio de color voy a necesitar todo un juego extra de polígonos de color cáscara o de color pulpa - depende como los dispongamos sobre el cuadrado de papel.
Para las trabas hay otros recursos pero en la práctica yo suelo hacer esto mismo: toda una aleta que se superpone con otra da posibilidades de encajes más firme y elegantes.
Por otra parte es necesario deplegar las caras del poliedro de tal manera que queden compactas (para encajar en el cuadrado de la mejor manera posible) y a su vez que coincidan con referencias que son "naturales" del origami. Esto mejora la plegabilidad, elegancia y simpleza.
Veamos el plan:

Todo ha funcionado relativamente bien. La dos puntas de la cáscara encajan con las puntas del cuadrado llevando a referencias muy naturales. En el eje horizontal sin embargo, debemos cortar una pequeña punta del cambio de color de la base de la cáscara.
El defecto en el cambio de color se rellenará usando papel de los lados, práctico y fácil.
La otra opción hubiera sido hacer un cuadrado más grande, con lo cual hubiesemos perdido las referencias y la elegancia en la punta de la cáscara, que es un punto clave para la estética de la figura.
¿Es todo esto demasiado lio para una figura simple?

La clásica paradoja de las figuras simples, o de aspecto simple, es que son complicadas de diseñar (¿o de diseñar bien?).

La belleza de estos métodos es que luego se pueden generalizar a figuras más complejas, pero creo que es precisamente en el origami simple donde lucen en todo su esplendor.

ORIGAMI SONRIENTE

2010-02-05T13:43:00.006-07:00

Por suerte el propio origami se encarga constantemente de recordarnos que no debemos tomarlo muy en serio.

ESE PEZ PERDIDO

2010-02-01T06:45:00.017-07:00

El Pez Payaso ha demostrado ser un sujeto esquivo para el origami. Estoy de acuerdo con Joseph Wu en que el mejor que se ha visto es el de los Shumakov (http://www.oriland.com/store/models/main.asp ) hay otros, pero no tan buenos, por no decir que francamente dejan mucho que desear.
Aparentemente el problema consiste en la complejidad que significa representar cambios de color en forma de franjas verticales, sumado a las aletas, y si se logra efectivamente esta combinación, que el pez aun sea dulce y tierno (¡ah, la intraducible "cute"!) en vez de un masacote de papel informe.
Se me ocurrió que una solución sería buscar al Pez Payaso mínimo. El concepto de "mínimo" no es mío claro está, sino de ese brillante y brutal filósofo del origami que es Saadya Sternberg.
Consiste en ver de cuántos elementos podemos prescindir al representar algo, y que aun sea reconocible como tal.
Nos obliga a darnos cuenta cuáles son las cosas que hacen de un sujeto, ese sujeto. Nos lleva básicamente a la esencia del animal y por lo tanto a las bases mismas de "aquel" origami perdido.

Inspirado en el Tropical Fish del maravillosamente conceptual "Redpaper" hice esto, que en principio intentaba ser una forma de pez de color naranja con tres franjas blancas verticales; de esa manera aportaría algo diferente al modelo casi perfecto de Redpaper.
En mi primera idea eso sería un Pez Payaso mínimo, reconocible, y dada su probable simplicidad no sufriría de apilamiento de capas machacadas (el famoso gurruño).
En la práctica el papel siempre aporta algo inesperado y aparecieron capas que se podían usar como aletas pecturales, ojos y hasta una boca (cuteness factor!)
Pero cuando se diseña se busca sacar todo el potencial posible a cada base y a cada modelo, y este podía ser "complejizado" sin arruinarlo.
Hacer que un modelo sea más realista significa mantener la versión simple y original como tal, y crear otra cosa a partir de la misma idea. Si tenemos suerte será igual o mejor que el primero, sino mejor tirarlo a la basura.
Lo primero fue prolongar la segunda aleta dorsal hacia atrás, lo que trajo aparejado varios problemas con el cambio de color, trabas, etc. Resuelto todo esto tenía un pez con más aspecto de "damisela" o talvez "pez angel" que de pez payaso.
Tan buen pez de arrecife terminó siendo que con unos pequeños cambios en las franjas es un modelo con derechos propios.
Creo firmemente que este es el mejor modelo de la serie desde el punto de vista de cómo se aprovecha la base, equilibrio entre realismo y elegancia y pliegabilidad.

Un poco más lejos estaba el Pez Payaso "realista".
Implicó separar las aletas dorsales y mover los cambios de color para que coincidieran mejor con el pez.
Son bien notorios los elementos que separan la complejidad de la simplicidad.
Veamos; aparición de mayor número de elementos y más diferentes entre sí, pérdida de la geometría regular para dar lugar a patrones menos obvios, ángulos irregulares, curvas combinadas con rectas, silueta con más entrantes y salientes, etc.
Casi invariablemente con estos cambios aparece la disminución en la elegancia del proceso de plegado.

EL PRECIO DEL INJERTO

2009-07-17T07:50:00.006-06:00

Una forma de usar un rectángulo en origami es verlo como un cuadrado con un poco de papel extra, como un injerto mal hecho por así decirlo.
Con un poco de ingenio se pueden agregar elementos a un modelo tradicional usando este papel sobrante.
En el caso de las proporciones del billete de dolar (aproximadamente 7:3) , el papel extra es mucho y se puede usar para agregar dedos en la patas y una boca abierta.
Este tipo de dedos injertados suelen ser muy caros en cuanto a la cantidad de papel que se gasta, pero de todas maneras en este caso la figura se sigue viendo liviana así que creo que resulta admisible.
Lo mismo sucede con la boca, en la que solamente se usa la parte media de la franja.

En este CP se puede ver que la base de rana quedó partida en dos por la franja que forma la boca, y que no está centrada, pues hay más dedos en las patas traseras que en las delanteras.
Para plegar la base se empieza por los dedos, luego se marcan los dos medios cuadrados de la base de rana y finalmente la franja central resulta del sobrante de todo lo anterior.
Las terminaciones no son exactamente iguales a las de una rana tradicional, en realidad son más simples, por lo que resultará bien fácil plegar esta ranita.
Lo que puede no ser tan sencillo en nuestro continente es hacerse con un dolar...

LA COLA DEL LEMUR

2009-06-11T22:48:00.011-06:00

¿Qué hay que diseñar?

¿Cómo hay que diseñar?

¿A qué llamamos un "buen" diseño y a qué uno "malo"?

¿Qué cosas convierten un diseño en un diseño "contemporáneo"?

¿Qué elementos pueden "validar" un diseño?

¿Existe un origami de estilo regional o sólo los estilos personales?

¿Qué viene después del realismo?

En fin....

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(I just realized the text in the picture cannot be traslated using an online auto-translator, so, here it goes. It is going to be a rough version but better that google´s anyways.)

As stated by its name, the tail is the most notorious feature of this animal. From there on, the rest of the things defining the animal will become apparent. The ringed tail can make this animal recognizable, but it will not transmit anything else.
In this case, it is the distribution of the weight what will make a difference in the design. All the mass in the fore half of the body is distributed on the palms of the hands of the animal, directing the observer's look to the corner precisely opposite to the tail.
Also somehow, it makes the fact that this is an animal has skilled hands, more notorious, even if at this moment they are only supporting body weight. Maybe it even makes us intuitively know that the tail's out of proportion length, makes it not only a prehensile organ, but a balancing pole, or a counter weigh for the trunk and the head which allows it to maneuver during the leaps.

APTO TODO PUBLICO

2009-04-28T23:50:00.003-06:00

Hace tres meses que estoy dibujando diagramas sin parar. Hace tres meses que no me hago unos minutos para escribir aquí ni para diseñar. Cuando no diseño lo extraño, como a un vicio.

He tenido como sustituto el remodelado y secuenciado de las figuras que he estado diagramando, en algunos casos terminan siento prácticamente como otro modelo y eso ayuda a saciar la necesidad creativa. Pero de todas maneras no hay nada como una figura nueva para alimentar el espíritu. No tiene porqué ser nada del otro mundo, en este caso es un Goldfish muy simple, diría que apto a todo público, que plegué mientras conversaba con Eric Madrigal.

GARZA MORA

2009-02-16T17:16:00.003-07:00

La Garza, un sujeto aparentemente tan simple de diseñar en origami, incluso si la queremos hacer bastante realista: tres puntas largas y flacas para el cuello y las patas, una corta para la cola, agregar dedos, un copete, y ya. Bastante esquemático.
Sin embargo cuando se trata de encajar todos los elementos en un cuadrado las cuentas no dan, los dedos molestan, quedan cortos, los injertos engosan el cuello y si los cambiamos de lugar, entonces engrosan las patas. Las divisiones de puntas acortan mucho si queremos dedos largos como en la realidad, el copete no hay de donde sacarlo limpiamente y el cuerpo no queda suficientemente pesado.
En fin, como siempre en ese conflicto eterno entre la base y la terminación plegué esta Garza que apenas si roza el nivel mínimo al que me había propuesto llegar, de la majestuosidad sobrecogedora que se siente mirando el ave real.
La idea básica es muy simple, la misma que ya he usado antes para aves como el Secretario, pero en este caso tuve que llevarla más lejos, pedirle mucho papel prestado al cuerpo para llegar al largo requerido de las piernas y el cuello y un par de trucos más para que el modelo pudiera salir a la luz.
Existen pocos ejemplos de referencia para una Garza posada y con dedos, se me ocurre la de Don Oscar Rojas, la de Lang y otra de Daniel Robinson.
Cuatro versiones del mismo animal que sin embargo se parecen muy poco entre sí. Uno le da más importancia al copete, otro al cuello, uno a la pose y otro a la ingeniería de todo el asunto.
Allí es talvez cuando el origami es más arte que nunca, cuando uno se da cuenta que es tan complejo y variado que nos permite expresar esas diferencias individuales, aunque una garza, en apariencia, siempre sea una garza.

COCHINILLO

2008-11-25T22:57:00.005-07:00

Cerdito: otro sujeto que merecería estar más representado en el origami.
Este cerdito es uno de esos al estilo antiguo, como las variedades chinas de cuerpo alto y redondo, que fueron las primeras en domesticarse. A pesar de tener bordes abiertos en el lomo, la abertura no da acceso al interior del poliedro, por lo tanto no puedo llamarlo una alcancía.
En este caso, es un chanchito inflable para continuar esta serie de modelos que disfruto tanto.

ROMBOS

2008-11-09T14:25:00.008-07:00

Hojas de Liquidambar, Roman Díaz.

Muchas hojas palmeadas de origami logran las puntas mediante pequeños pliegues escalonados que luego se acodan. Esta manera de diseñar deja una parte trasera muy poco elegante y no le brinda al doblador un origami agradable y fluido.

El fin de semana vi la hoja de Maple de Kamiya Satoshi y su correspondiente CP.

Kamiya encaja cinco rombos, uno central y dos pares a los lados, de tamaños decrecientes que se van desencontrando de manera muy placentera a la vista.

El envés es notablemente despojado de bordes y pliegues superfluos. Un origami que da gusto de ver y de doblar, como debe ser.

Pensé que si los rombos no se desencontraran, sino simplemente fuesen decrecientes en tamaño, y encajaran lado con lado, se podría hacer una hoja notablemente más simple.
Los tres rombos centrales, aunque parecen del mismo tamaño, en realidad no lo son.
El rombo central continúa hacia abajo donde forma el cabo de la hoja.

En este ejemplo el método de diseño consistió en darle a cada rombo suficiente papel alrededor para que se pueda apoyar contra el rombo adyacente y a su vez colapsar en un plano sin necesidad de cambiar los ángulos de 22,5. Esta última condición hace al modelo, no solamente muy "doblable" sino muy "diseñable".
A su vez, para mantener el lado de atrás con la mismo aspecto que el frente, se necesita contar con papel que cubra los rombos también en la parte posterior, evitando el cambio de color.
Una vez que se establecen estas condiciones, el modelo resulta casi evidente.

VACA LECHERA: la deuda con Bilbao

2008-09-07T11:25:00.019-06:00

Dairy Dose of Origami?

Luego de la Convención de León este año, viajé a Bilbao con Saadya.

La idea era visitar la preciosa ciudad y sus museos y encontrarnos con Willie, Carmen e Ignacio.

Desde entonces tengo en deuda poner aunque sea un par de fotos aquí en el blog.

Talvez no lo había hecho porque los 4 días en el País Vasco terminaron siendo tan intensos y emocionantes que me resulta difícil describirlos. Por lo tanto no voy a intentar hacerlo.

Sólo talvez mencionar las mejores gambas que he comido en mi vida, en un bar de las 7 calles. Según Saadya eras tan buenas debido a la cercanía con el mar, yo tiendo a pensar que tenía que ver con el generoso baño de aceite de oliva español que las cubría.

Y la Plaza Unamuno, destino improbable de peregrinación de origamistas.

Y la hospitalidad a toda prueba de Willie, el entusiasmo sin límites de Ignacio y el sereno encanto de Carmen.

Y unas largas y a veces durísimas conversaciones con Saadya a orillas de la Ría del Nervión, que me sacudieron los cimientos de mi bien cómodo, establecido y encajado origami.

Pero la historia que tiene que ver hoy con la vaca es otra.

Caminando con Saadya por la ciudad entramos a un mercado de alimentos y en una vitrina de quesos aparecieron ratas de Joisel.

Por cierto, muy bien plegadas en papel elefante e incluso por lo que parecía, en húmedo.

La dueña del local estaba encantada por la efectividad de la decoración de su mercadería. Aparentemente las ratas llamaban mucho la atención y le traían clientela.

Resultó ser que las había plegado el propio Willie y habían llegado indirectamente a manos de la vendedora.

La buena mujer quería ahora expandir su mini exposición de origami e incluir en su vitrina algunos animales de granja: cabras y vacas lecheras, también a tono con sus quesos.

Esa noche nos dispusimos a intentar diseñar una vaca lechera.
Tras tres o cuatro intentos fallidos finalmente abandonamos, y aprendimos que el animal no era tan fácil de diseñar como nos habíamos imaginado.

Como comenté en la entrada anterior de este blog, hace unos pocos días me escribió Willie tocando el tema de las vacas lecheras de origami.
Así que al fin, meses después del primer intento en Bilbao, tengo mi versión de una vaca lechera.
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Sólo un corto comentario sobre el modelo.
Lo diseñé sobre una idea realacionada con el Novillo anterior, pero no igual.
Para la vaca dejé una porción considerable de papel para diseñar la ubre, además superpuse más las capas, lo cual permite hacer, no sólo los cambios de color que muestro aquí, sino una infinidad de variaciones a gusto del que la doble.
Será por deformación profesional, pero una de las cosas que varié comparando con otras vacas de origami manchadas, es precisamente la distribución general del patrón de color.
Las manchas de las vacas Holando no están puestas al azar, sino que responden a un orden bien establecido genéticamente.
El color blanco aparece primero en el vientre y desde allí trepa hacia el lomo, especialmente en el hombro y la ingle.
Es decir que por ejemplo, si una vaca es mayoritariamente negra, tendrá blanco solamente en el vientre, nunca lo opuesto.
Si una vaca es casi toda blanca, las manchas negras estarán preferentemente en la base del rabo, silla de montar y parte superior del cuello.
Si alguien se toma el trabajo de mirar fotos de diferentes vacas verá lo que digo.
Podemos no saber nada de genética, eso no importa, pero al ver manchas mal distribuidas sabremos que hay "algo" que no permite reconocer al animal fácilmente.
Pero veamos lo importante, desde el punto de vista de un diseño de origami, son estas las cosas que se pueden usar para capturar de golpe de vista a un animal, y no las pezuñas, dientes y plumas.

La vaca está plegada en húmedo con papel Mulberry negro laminado con papel blanco delgado de tipo desconocido.

HEREFORD

2008-08-30T19:37:00.015-06:00

Ayer recibí un correo de "Willie" García Crespo con su habitual popurrí de temas interesantes.

Entre otras cosas, estaba preocupado por la falta de vacas de origami que fueran al mismo tiempo bonitas e interesantes de plegar. Willie me proponía por lo tanto diseñar una y eso me dispuse a hacer inmediatamente.

Mi idea inicial fallaba en dos de las características más notorias de la vaca lechera que había imaginado: no tenía previsto papel de donde hacer la ubre y la superposición de capas para el cambio de color en el lomo no era ni lejanamente suficiente para cumplir su propósito.

Mientras perdía toda esperanza de que mi vaca se convirtiera en modelo terminado, aparecía la idea que la base de cuadrúpedo que había diseñado no sería inutil.

El animal largo y pesado así como el cambio de color, que podía trepar más o menos hasta la mitad del cuerpo, se prestaban muy bien para un novillo Hereford.

Este es el segundo novillo que diseño y no puede ser más diferente al primero.

Para el modelo anterior diseñé una cabeza y avancé hacia atrás para llegar, ya casi sin papel, a las patas traseras .

En este Hereford comencé por las patas traseras y avancé hacia la cabeza.

A diferencia de la vez anterior, con una base y un método de diseño completamente distintos, ahora terminé sobrado de papel para hacer los detalles de la cara que quería

(como dice el genial Herman van Goubergen, "para diseñar se necesita papel", una frase que sin duda tiene varios planos de interpretación más que los que yo pueda entender).

Para esta figura hice uso de todo lo aprendido en diseños anteriores, geométricos, formales, de líneas puras y construcción no optimizada para el largo de las puntas sino favoreciendo la aparición de formas interesantes.

Pero también, para llegar a un resultado final de estilo más realista me desvié del "protocolo hiperpurista" y agregué cambios de color no "automáticos", ángulos diferentes a los múltiplos de 22.5 y algo de moldeado en las terminaciones.

Es difícil saber en que proporciones se deben combinar métodos para obtener una figura. En términos generales intento que el doblado formal llegue tan lejos como se pueda antes de comenzar a usar recursos menos reproducibles y que, en lo estrictamente personal, siento como menos "origamísticos".

Queda pendiente la vaca lechera...

PAJARO ESENCIAL

2008-07-17T00:24:00.004-06:00

¿Cuanto de pájaro tiene un cuadrado de papel?
Es razonable pensar que como diseñadores tenemos que dominar suficientemente sobre nuestro material como para llevarlo, sin usar la fuerza, a la forma que buscamos.
Esa ha sido una de las luchas más notables del diseño de origami en los últimos 30 ó 40 años.
Ha costado mucho sudor finalmente abandonar la idea que las partes principales de un animal tenían que coincidor con las "partes principales" de un cuadrado. Picos con puntas, alas con "alas", patas con puntas y así doblábamos otro pájaro obvio más, y hasta podíamos pelearnos para ver quien lo había descubierto antes.
Está muy bien haber abandonado esa forma de diseñar (y que decir de esa forma de pelear!), pero ¿ha sido realmente ya diseñado todo lo obvio?
Me ha costado unos cuantos años de diseñar, poder dar toda la vuelta, perder los prejuicios y volver a la base cometa por ejemplo, para encontrar el pájaro obvio que hay en ella y doblarlo sin arruinar ese especto de líneas puras que tiene la base.
Es sólo un pájaro esencial, cabeza, pico, cuerpo, dos alas, dos patas y cola, usando las mismas cabeza, cuerpo, alas, cola y patas que tiene una base cometa.
No es nada rebuscado (aunque su pureza podría arruinarse muy fácilmente con unos dedos o un pico abierto), y sin embargo no se parece a los otros.

BUCÓLICO

2008-06-10T23:42:00.017-06:00

Frecuentemente luego de una convención diseño algo.
En la intensidad del encuentro con tanta gente, amigos, plegadores, sabios y más amigos, la inspiración brota fácil y fecunda.
El paisaje colombiano viajando de Tunja hacia Bogotá está sembrado de maiz, pueblos de ensueño y minas de carbón, y cada tanto, como nos hizo notar Angélica, un burrito, como aquellos en las memorias de la infancia.
Ya volando de vuelta a casa desde Bogotá hice esta figura que sólo lejanamente recuerda a los burritos somnolientos de morro y panza blancos de Boyacá.

ORIGAMI en COLOMBIA

2008-06-09T23:07:00.029-06:00

Villa de Leyva

Diego Suarez, mi guia en Bogotá.

Jaime Niño, organizador y anfitrión de Origami Tunja. Aquí con el futuro del origami Boyacense.

Fósil, de Andrés Sierra. Un diseñador inspirado y lleno de ideas. Me dejó una impresión excelente. Para estar pendientes....

Taller de diseño. Diego Quevedo.

Taller de diseño: Manolo comentando sobre el diseño de Diego Suarez.

Taller de diseño: Daniel Naranjo.

Taller de diseño: Diego Suarez.

Taller de diseño: Mateo Díaz.

Taller de diseño: Gabriel Castro.

Taller de Diseño: Fabián Correa.

Taller de diseño: Jaime Niño.

Taller de diseño: Manolo y Andrés Sierra.

Diego Suarez y Luz Adriana, entrañables afitriones en Bogotá cuando llegué.

Ana Milena, la alegría de doblar en húmedo!

Con Mateo, joven talento amazónico.

Diego Becerra y su doblado en húmedo.

Mujer en Embarazo, Fabián Correa: a mi gusto, el mejor modelo de la exhibición.

Mundo pequeño. Dos modelos plegados por el talento español Pere Olivella llegaron a la exhibición de Tunja por lados diferentes.

"Carro por cuotas", uno de los muy recomendables modelos de José Arley Moreno.

Una foto con José Tomás Buitrago, uno de los "históricos" del origami Colombiano y Latinoamericano.

Caballo de Daniel Naranjo. Gran figura, el autor y el modelo.

Andrea Acosta luce una flor de papel.

Andrés Sanchez y Andrea Acosta, mis afitriones en Bogotá cuando me fui. Aportando comentarios en el taller de diseño.

Antonio Vargas Giraldo, la sonrisa en la cara y en el origami. Acaba de terminar un libro de animales de origami.

Bucaramanga dice presente con unos plegados excelentes y mucho buen humor.

Duo de Guitarra y....Serrucho? Roberto y Gabriel deleitan con una canción.

Niña violinista en Tunja.

Villa de Leyva.

Con los encantadores Gustavo "el más nuevo" y Angélica en Villa de Leyva.

Con Angélica en Villa de Leyva, gran compañera de viaje y amiga.

Con Iván en un viejo puente camino a Bogotá. Iván amenizó la ruta enseñándome a doblar su libélula.

Secretos del oficio. Fabián nos muestra su profundo conocimiento en la fabricación artesanal de papel en el pequeño taller de su casa en Medellín. Una tarde para recordar.

Con Daniel y Gabriel, un descanso en el Pueblito Paisa.

Guías en Medellín, Daniel y María posan con un perro de Botero.

Botero, la gorda y las flacas.

Con Julio en el Metro Cable de Medellín. Tan buen amigo como plegador.

Doblado en húmedo, el talento de los plegadores paisas.

Con Elizabeth, Julio y Gabriel luego de una frijolada memorable.

Taller de máscaras con la LAO.

Elimón, alma del origami antioqueño.

Julio, Daniel, Gabriel, Johana, Ana Sofía y Jorge luego de bandejas Paisas y mondongos que alimentan por una semana de corrido.

Jorge y Johana me recibieron en su casa. La hospitalidad Colombiana no respeta provincias!

CONVENCION DE LA AEP EN LEON

2008-05-19T15:14:00.019-06:00

Leones en León.

Manuel Sirgo y Ramón Thomas, la cúpula de la AEP!

La delegación catalana. Manuel, Ramón, Mark y Pere.

Los impresionantes arreglo florales plaegados por Olga de Pedro.

Brian hablando con Carmen mientras Willie pliega un Shibaraku montado sobre un Ryu Tzin por las calles de León.

Parte del Grupo Zaragozano.

Eliseo, joven plegador español con futuro.

Brian Chan, quien finalmente encontró un poco de metil celulosa para darle terminación a su pájaro.

Nicolas enseñando su Facocero.

Eliseo plegando el Facocero de NIcolas.

Los trabajos surrealistas de Victor. Una de las mejores cosas de la exposición: original, innovador y para colmo, muy bien hechos y presentados. Atento a esto!

Un cagrejo violinista de Brian Chan. A mi gusto el mejor modelo de toda la exposición.

Felipe e Izarbe.

La foto del Grupo Zaragozano, con algunos infiltrados. No se dejen engañar por las camisetas!

Felipe y una jota Aragonesa para el recuerdo. Al lado Vanessa y Fernando. En primer plano la manos de Brian Chan que filma incrédulo.

Homenaje de un Maestro a otro, Felipe Moreno interpreta a Yoshizawa.

José Angel con Caro y Judith, a las carcajadas para variar.
Juan Pedro mostrándole el camino a Miyuki.

Por León con amigos. Carlos Pomarón, Willie García Crespo, Saadya Sternberg , Pere Olivella y un servidor.

Fachada de la Catedral de León.

Nicolas y Brian

Felipe y Saadya divertidos.

Claudine y Herman, inconfundibles.

Sonia con uno de los excelentes anfitriones, Angel.

Nicolas, Miyuki, Brian de negro, un servidor a cuadros.

PAJARO PARA SAADYA

2008-05-17T21:02:00.004-06:00

No dedico demasiados modelos, pero cuando lo hago estoy seguro que es lo que debe ser.
Sería demasiado complicado intentar explicar esta dedicatoria.
Saadya ha sido y es hoy un referente en un área del origami en la que nadie se atreve a navegar.
No hablo del origami curvo, campo que también es para Saadya como el jardín de su casa, sino de un origami terco y artesanal, tradicional y contemporáneo.
Ese mismo origami con el que Saadya nos tomó a todos por asalto hace 4 años cuando reapareció de la nada con sus bustos y pajaros.
De la misma manera me revolvió hasta la médula esta vez, y de la revuelta diseñé sólo este pájaro, que es para Saadya.

DOS COMPOSICIONES CORTAS

2008-04-11T01:08:00.024-06:00

Dos figuras rápidas diseñadas en dos días consecutivos .
Las figuras utilitarias como estas son un desafío diferente para la técnica.

A los elementos de cualquier otro diseño se suma el hecho que tiene que funcionar bien como marcalibros.

Eso implica que tengan el bolsillo atrás para engancharse en la hoja de un libro y que los bloqueos sean impecables para asegurar que la figura pueda ser manoseada sin desarmarse.

En estos casos no se puede fijar el modelo usando papel metalizado, dobaldo en húmedo ni metlicelulosa.

Un marcalibros debería poder ser doblado con un simple papel Kami.

Tampoco se puede usar tensión en seco pues la figura debe ser plana.

El único recurso son los bloqueos "verdaderos": aletas encajadas en bolsillos, que además son siempre lindos de hacer y dan buena terminación.

Las dos marcalibros están doblados con papel de origami de 15 x 15 cm.

El panda insume unos 10 minutos y el cerdito unos 15 o 20.

Como experiencia hice este video sobre como doblar el Panda. Sepan disculpar los múltiples defectos que tiene. Espero que no sean impedimento para que las instrucciones se entiendan.

APUNTES SOBRE DISEÑO: VOLUMEN Y POLIEDROS PARTE I

2008-04-01T01:02:00.085-06:00

La idea de dar volumen a las figuras usando poliedros no es nueva. Es más, pertenece al origami tradicional más que al moderno.

Parece ser difícil diseñar modelos inflables o con volumen poliédrico, planificadamente y guiados por objetivos.

No estoy hablando de una figura que represente un poliedro, no.

Me refiero a dar volumen a figuras, por ejemplo animales, utilizando estas formas geométricas.

De alguna manera entonces hay que integrar un poliedro (o varios) a un animal.

Por lo que he visto, el volumen pasa a ser un elemento tan predominante en la figura que más valdría hacer lo opuesto: agregar partes del animal a un poliedro que oficie de cuerpo. Esto es efectivamente lo que encontramos en algunos modelos tradicionales, y lo que resulta como el método de diseño planificado más fácil y directo.

Pero comencemos por lo más simple.

La Bomba de Agua

Este venerable modelo tradicional debe ser la figura inflable más conocida del mundo.

No es otra cosa que un cubo ingeniosamente cerrado por todas sus caras.

Se usa una base de bomba con cuyo centro se construyen las caras del cubo. Las aletas se usan como trancas para evitar que se abra cuando se infla.

Se lo puede dejar con una forma más o menos irregular, pero si se infla completamente sus caras forman un poliedro: un cubo.

Observar el CP de la Bomba de Agua.

En la parte central del papel se ve un desplegado de las seis caras de un cubo y el resto del papel se usa para trancar la forma en su lugar.

Derivados de la Bomba de Agua

En algún momento a alguien se le tiene que haber ocurrido que no eran necesarias las cuatro aletas para trancar el poliedro central.

Se podían usar dos de las aletas, por ejemplo como orejas para un conejo.

A partir de allí muchos modelos han derivado de la idea básica de la Bomba de Agua.

Aquí de ven algunos de los más conocidos con sus correspondientes CPs y alguno no tan conocido. La Gallina en un diseño muy reciente de Leyla Torres , que es además otra entusiasta de los modelos inflables.

Observar en la parte inferior de cada CPs como los cuatro modelos utilizan el mismo cierre que la Bomba de agua en dos de sus aletas.

En la parte superior de los CPs se ven variaciones con las dos aletas restantes para formar partes del animal.

El conejo cúbico usa además exactamente el mismo poliedro.

En el segundo conejo y en el Goldfish los poliedros son diferentes al de la bomba de agua.

Pero la importísima diferencia aquí es que se ha comenzado a utilizar la presión del papel inflado como tranca, una forma de la famosa "tensión en seco", a veces erroneamente considerada como moderna .

Para hacer esta tranca se ha tenido que abandonar el pesado cubo en favor de poliedros de base triangular, mucho más versátiles y dinámicos para una figura animal.

Queda especialmente claro en el caso del Goldfish, una joya del origami minimalista. (Como detalle al margen, los poliedros del Goldfish y del conejo no tienen límites definidos en las figuras originales y al inflar se les pueden dar diferentes formas. Por razones de claridad delimité los poliedros en el CP a los que me parecen naturalmente más adecuados al modelo. Agregué también líneas delgadas donde podrían incluirse dobleces que marcaran límites entre sus facetas.)

¿Cuanto más se puede explotar la misma idea?

La idea general para estos diseños sería entonces tomar una base de bomba, pliegue preliminar o base de rana y usar la zona central para crear el poliedro.

El papel que resta se debe repartir entre las trancas que permiten mantener al poliedro cerrado y los agregados que quieran hacerse al modelo: patas, aletas, orejas, hojas o lo que se pueda.

He aquí un par de ejemplos más, una frutilla (fresa) de Rae Cooker y un pimiento (chile) del que desconozco el autor.
Ambos diseños toman la idea del Persimmon tradicional (ver foto del final).

La tranca es la misma y también el poliedro, aunque puede inflarse más o menos para hacer una frutas de diferentes formas.
El chile tiene el poliedro afinado, pero nuevamente es la misma idea.

Los tres peces inflables y el conejo son de mi autoría.

Pude llevar la idea de los inflables tradicionales un poco más lejos gracias a una forma de tranca diferente que permite usar otros poliedros y cambiar la posición de las aletas.

Pero sigo explotando la idea de obtener el poliedro partir de líneas ya existentes o sugeridas por estas bases tradicionales.

La base me sugiere la figura y no lo contrario. Por eso digo que estos son típicamente modelos "de descubrimiento" y no "de diseño".

Estamos destapando cosas que son posibles de hacer con bases tradicionales, sacándolas a la luz, y tenemos suerte si a nadie se le había ocurrido hacer algo así antes.

Un pasito pa delante

Escuché a Nick Robinson comentar una vez, que hubo un tiempo en el origami en el que todos los problemas se resolvían con un blintz.

Quiero mostrar aquí dos intentos de llevar el origami inflable más allá de sus límites, y en ambos casos logrado precisamente con blintzes.
En la foto se ven un Joyero tradicional y una pirámide de Kunihiko Kasahara.

Viendo el CP de una base de pájaro es evidente que queda implícita una pirámide de base cuadrada.

Cualquiera querría poder usar ese poliedro en un modelo inflable.

El Joyero es en realidad una piramide truncada obtenida apartir de una base de pájaro, su parte superior abierta. Si quisiéramos completar la pirámide tendríamos el poliedro, ¡pero no hay papel con que trancarlo!

Kasahara logra costruir la pirámide cerrada injertando el papel para hacer las trancas sobre una base de pájaro, es decir, con un blintz.

El segundo es talvez el ejemplo más interesante que encontré: un viejo modelo que aparece en un libro de Kunihiko Kasahara, asumo que es de su autoría(?).
El poliedro central tiene casi la misma forma que un conejo tradicional, pero es más pequeño, en el centro del cuadrado.

Analizando el CP nos encontramos con que se trata de un blintz.

Con el papel sobrante así generado, Kasahara ha creado cuatro largas patas, cola y orejas.

Nuevamente el concepto puede ser injertar papel sobre un modelo tradicional para llevarlo más lejos, agregarle detalles o en este caso, hacer una figura totalmente diferente.

Redondeando

Hemos visto que existe un número sorprendente de modelos tradicionales inflables.

Muchos intentos modernos de continuar con esta línea de figuras utilizan las mismas ideas básicas una y otra vez.

Los intentos de "complejizar" este tipo de modelos, que encontré en algunos pocos ejemplos, siguen estando basados en los mismos principios básicos de sus antecesores tradicionales y no abandonan la idea de las bases tradicionales o sus variantes blintz.

Analizando los CPs de las figuras inflables nos encontramos casi invariablemente con tres zonas bastante bien reconocibles

-Cuerpo del poliedro.

-Tranca.

-Aletas para el diseño.

El reconocimiento de estas tres zonas resultará clave para el diseño intencional de origami con volumen.

Muchos modelos usan técnicas de trancado iguales o muy similares limitando así las posibles formas de poliedros que se pueden utilizar.

A pesar de no ser un fanático del origami modular, he encontrado mucho campo en común estudiando figuras inflables y poliédricas.

Miyuki Kawamura me resumió la creación de modulares en una corta frase: "hay que diseñar la tranca, no el módulo".

El concepto es impresionantemente aplicable a los inflables y de alguna manera habla del diseño de la ingeniería interna del origami como andamio necesario para el aspecto externo.

En la segunda parte de esta entrada espero hablar sobre algunos de mis intentos de diseñar origami con volumen poliedrico intencional y guiado por objetivos.

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Diagramas de modelos inflables en Internet

- http://www.origami-usa.org/fold_this.html

Aqui se encuentran la Frutilla de Rae Cooker y una versión del Conejo tradicional

- http://members.aol.com/ukpetd/

Página de David Petty, la más increíble colección de modelos tradicionales en la red.

Entrar a "model of the month" para el listado de diagramas

Bomba de agua: 59

Conejito cubico: 8

Conejito inflable: 103

Goldfish: 74

Tulipán: 56

Persimmon (Kaki): 45

Joyero (Star box): 41

http://www.giladorigami.com/swami/action.html

De la página de Dorothy Engleman, un listado de origami de acción entre los cuales hay inflables.

(link aportado por Leyla Torres, gracias Leyla!)

BROTE MAEKAWANO

2008-03-16T19:28:00.023-06:00

El diseño, cuando es intuitivo, no viene de la nada o de la inspiración divina.
Todo modelo brota de alguna idea primaria que luego se trabaja hasta llegar hasta donde queremos.
A veces el sujeto sugiere la idea y a veces es la idea la que sugiere qué diseñar con ella.

Hace un par de días hice este espiral, muy Maekawano (este patrón ya ha sido explorado por otros autores múltiples veces mucho antes que yo).

La sola forma en sí misma es bonita. Pero aun más Maekawano es insertar una idea geométrica dentro de un modelo, como sucede por ejemplo con con su pavo de cola fractal. El diseño del fractal vale de por sí, pero utilizado como parte de un animal aumenta aun más su valor.

Volviendo al espiral, este CP se correponde con los "brotes" de la foto, aquí doblados en papel "tant" verde de 15 x 15.
La idea de este simplicísimo modelo es solamente exhibir el espiral sobre una base cerrada que le permite pararse verticalmente.
El número de triángulos que se pueden agregar depende del tamaño del papel y habilidad del doblador.
Con mentalidad de diseñador, el siguiente paso es buscar la manera de utilizar esta forma geométrica como parte en un modelo.
Ya hemos hablado en otras entradas de este blog de las particularidades del "diseño por partes".
Muchas veces el modelo tiene que adaptarse a "la parte" que ya tenemos diseñada, de alguna forma toda la figura gira en torno a ella.
Si todo sale bien "la parte" debe lucirse apropiadamente, incluso destacar, pero no verse artificiosa o forzada dentro del diseño.
El primer diseño que surgió sugerido por la forma del espiral es este simple papagayo. Parte del patrón geométrico se usa para la cabeza y cuello del animal. La idea primaria, en este caso el espiral, permite salir un poco de las ya consabidas maneras de hacer cabezas de aves además de darle algo de delicadeza al modelo.
Observar como en este caso los escalones del espiral se doblan hacia afuera para aprovechar el cambio de color.
El segundo modelo que muestro aquí es resultado de un razonamiento que ha dado a luz a más de un modelo y es un clásico del diseño de origami: todo lo que se puede doblar en una punta, probablemente de pueda doblar en dos, tres o las cuatro.
Dicho de otra manera, si funciona en una "base cometa", veamos como funciona sobre una "base pez" o "pájaro". (Ver por ejemplo la serie de 3 caracolas de Robert Lang en Origami Sea Life)
Poniendo espirales en puntas opuestas del papel, un diseño con cuernos es entonces casi natural.
Esta cabeza de El Malo resulta doblemente Maekawana, cerrando con cierta lógica, el círculo donde esto comenzó.
Para este diseño utilicé el criterio de que todo el volumen estuviese dado por dobleces perfectamente rectos sin ningún moldeado.
Me parece que de esta manera se respeta la estética inicial determinada por los cuernos.

Los dobleces, de ser posible, son todos múltiplos de 22.5 grados.

Es fascinante seguir explorando las posibilidades de este tipo de
ángulos para dar volumen de formas poliédricas integradas al modelo.

La máscara es completamente cerrada y firmemente trancada por todos sus lados sin doblado en húmedo ni papel metalizado.
Hay que estar siempre pendientes de esas formas abstractas, interesantes o novedosas descubiertas o no por azar, y explorar que posibilidades tienen se ser aplicadas a la realidad del diseño.
Muchas veces, como en esta máscara, el espiral no es ni siquiera estrictamente necesario en el diseño: los cuernos podrían haber sido hechos de varias otras maneras.
Sin embargo la forma geomérica actuó como detonante y como guia del estilo a utilizar.
Tengámoslo en cuenta como herramienta de diseño.

LA CIENCIA Y EL DESPERDICIO

2008-03-08T00:28:00.008-07:00

La actual tendencia del origami a tecnificarse cada vez más y a ser explicado con ecuaciones matemáticas nos ha traido enormes avances en la teoría y la práctica del papel doblado.
Gracias a eso hoy podemos comprender mejor el proceso de obtención de puntas y podemos doblar diseños que sencillamente no serían posibles se imaginar en forma intuitiva.
Pero veamos, razonemos, no seamos tan tercos, el camino de los diseñadores de la escuela del MIT no es más que eso, un camino posible entre muchos.
Parece ser además que el origami técnico se ha tornado el origami occidental oficial.
Tengo la teoría, probablemente erronea, que el origami técnico se ha vuelto tan popular por el hecho que resulta más fácil que el origami intuitivo, o por lo menos más manejable, más abarcable y sobretodo posible de reducir a un grupo de ecuaciones.
Uno de los efectos más indeseables de esta tendencia occidental oficial, es que estamos formando creadores inhibidos, reprimidos por el peso de la técnica fria y vacía.
Creo que es perfectamente posible estudiar toda la teoría del diseño matemático y hasta usarla como ejercicio, para luego romper totalmente con todo ese reglerío y volver a nuestro arte tomando de la técnica sólo aquello que nos sirva para acercarnos un poco más a lo que queremos expresar.
Se puede volver a diseñar como los admirables Gabriel Alvarez o David Brill y a su vez usar todo lo bueno que se puede tomar de las técnicas de hoy.
Deberíamos estar marcando una tendencia hispanoparlante del origami del mundo, tenemos con qué, sobretodo si dejamos de mirar hacia donde no debemos.
Basta con ver lo que están haciendo en este momento Quentin Trollip, "red paper" Seth Friedman, Alejandro Dueñas o David Derudas para darse cuenta que los caminos del origami de primera línea son muchos y variados. Y menciono a estos 5 autores no sólo porque estan en la avanzada, sino porque evidentemente han optado por la intuición como su herramienta de diseño más importante y sin embargo son totalmente diferentes entre sí y cada uno original en sus ideas.
El diseño que puse hoy en la foto es un grito de resistencia contra el concepto del aprovechamiento matemático del papel.
Ninguno de mis diseños ha sido nunca tan "desperdiciante" de papel como es este, y sin embargo de aspecto tan liviano.
La idea original viene de hace meses, cuando pensé en un pájaro cuyo pico estuviera formado por dos mitades perfectamente dibujadas e iguales y sin capas superfluas.
La idea de cómo lograrlo me llegó de pronto hace dos días, cuando volvía caminando del trabajo.
Con un mínimo de observación se ve que hay una sola manera de lograrlo y es con las dos puntas opuestas originales del papel .

La dificultad es que todo el resto del ave tiene que ser diseñado con un triángulo: el formado con el cuadrado plegado por la diagonal.
Todo este enorme desperdicio de papel sería impensable en el mundo del super-origami optimizado.
Pero en nuestro mundo no sólo es posible sino deseable, porque optimizaciones puede haber muchas. En este caso he optimizado el uso del papel para crear el pico de ave que más se acerca a lo que quiero.
En el camino he diseñado un ave que se parece, por lo menos externamente, al ave multicapa de Nicolas Terry.
Por algo él también rompió con la regla fundamente del no desperdicio cuando hizo su pájaro multicolor formado con dos o tres cuadrados superpuestos de los cuales sólo una pequeña punta se utiliza para satisfacer el capricho del autor de tener más de dos colores en su modelo.
Es el concepto y la idea detrás de la figura lo que la hace mejor. No hay ciencia posible que pueda tener ese efecto.

CONVENCION ITALIANA

2008-01-03T23:37:00.001-07:00

Luigi Leonadi Y Roberto Gretter, dos enormes personalidades del Origami italiano.
España ampliamente representada: Jorge Pardo y Jordi Ardell.

Jan Polish toma el té con Miyuki Kawamura.
Herman van Goubergen.
con Miyuki Kawamura, impresionante talento.
Covadonga enseñando un modelo.
Vicente Palacios.
con Jorge Pardo, doblando modulares a partir de las tarjetas de los almuerzos.
Ana, Izarbe, Claudine, Felipe, Jorge, Sonia y... se me escapa el nombre.
Verbania, hermosa.
Luis Fernando con Izarbe en el taller de la ranita.
Raquel, paseando por Verbania.

con el granDavid Derudas, apasionante talento y carisma.

Miyuki fimando su libro.
con Felipe Moreno y Jorge Pardo, un monstruo del doblado y otro de los modulares respectivamente.

WAPITI

2007-10-29T00:17:00.001-06:00

Dos semanas de diseño, una docena de "ideas básicas", unas veinte pruebas dobladas, siete distribuciones diferentes para las puntas, tres intentos de plegar un prototipo y finalmente dos días de doblado y acabados.

Como todo modelos que tenga 14 puntas en uno de sus extremos, este Wapiti es extremadamente complicado tanto de de diseñar como de doblar.
El problema principal en el diseño es que resulta poco menos que imposible encontrar en forma intuitiva, una distribución para todas las puntas de las astas, que sea razonablemente ahorrativa en papel.
Mis primeros intentos de resolver esta cuestión usando bases radiales fueron interesantes, aunque infructuosos...
Para problemas muy complejos, el recurso que tenemos a mano es el box pleating. No por casualidad algunos de los diseños más complejos que jamás se hayan diseñado utilizan esta técnica.
Así que un poco a mi pesar, decidí no sólo que lo haría por box pleating, sino que, por primera vez, diseñaría a partir de un CP dibujado y no doblando un papel.
Aun así, debo haber colapsado unos siete u ocho CPs diferentes antes de dar con uno que se prestaba bien para hacer las teminaciones y representar un Wapiti.

Este modelo está doblado con papel "Glassine", 60 x 60 cm, pintado con acuarela en una de sus caras y terminado con metil celulosa.
Estará en exhibición en la Convención de las CDO en Verbenia Palanza, Italia, el próximo fin de semana.-

APUNTES SOBRE DISEÑO: Observaciones básicas sobre ángulos restringidos.

2007-09-22T10:34:00.001-06:00

En el método de diseño por "box pleating" los ángulos de los dobleces se limitan a ser múltiplos de 45 grados.
Esto es muy conveniente pues las líneas a 0, 45 y 90 grados se pueden extender de lado a lado del papel y se cruzan entre sí formando una cuadrícula, cuya unidad es la unidad mínima para diseñar: nada puede ser más pequeño que la unidad.
De manera similar los teselados toman una cuadrícula de 60 grados para construir la mayoría de sus formas.

Igual que en el box pleating, las líneas se cruzan en nodos formando una "triangüícula".
45 y 60 tienen el privilegio de ser los únicos ángulos que hacen posible la formación de este tipo de "plantilla universal de diseño".

Más allá de métodos de generación de puntas, en los hechos estas plantillas nos van a permitir dos cosas:

- que todos los dobleces del modelo coincidan con alguna línea de la grilla.

- que todas las referencias utilizadas coincidan con algún cruce de líneas.

Las líneas en ángulos múltiplos de 22.5, otro clásico del origami del todos los tiempos, no se pueden disponer en forma de cuadrícula porque las líneas no se cruzan en nodos regulares.
Esto es justamente lo que convierte a este ángulo en algo aun más interesante que los anteriores.

No voy a discutir aquí las ventajas y desventajas de limitar nuestros diseños a solamente algunos ángulos, simplemente voy a plantear algunas observaciones que surgen de haber diseñado suficientes modelos usando unicamente líneas a 22.5 grados.

A esto llamo "diseño con ángulos restringidos".

Diseñar usando únicamente estos ángulos presenta problemas diferentes a aquellos del "box pleating".

Probablemente lo más parecido a una plantilla de diseño que existe, usando estos ángulos, son los CPs de las bases de cometa, pez, pájaro y rana, algo similar a lo que plantea (y hace) Peter Engel.
Pero sería una pena limitar todos nuestros diseños a las pocas líneas que existen en estas bases.
Las líneas en ángulo generan triángulos en el CP, y cada uno de estos triángulos puede a su vez ser subdividido con las líneas de una parte de una base tradicional, así hasta el infinito.
No se trata unicamente de las mezclas de dos bases tradicionales en el mismo cuadrado o a los sucesivos "blintz" de las bases, recursos que se ha usado ya hasta el cansancio.
Se puede diseñar con "plantillas" de líneas en ángulos múltiplos de 22.5 grados usando patrones diferentes a las clásicas orejas de conejo en cada triángulo que aparece.
El diseñador puede tener una plantilla imaginaria en la que todos los movimientos den por resultado líneas de 22.5 y referencias que se generan a partir del cruce de estas líneas.
Veamos un ejemplo muy básico.
Un diseñador quiere comenzar su diseño doblando la punta de una base cometa.

Puede querer, por ejemplo marcar el lugar para la cabeza de un ave simple, como en el caso de la paloma de la primera foto.
¿Cuántas y cuáles opciones tiene si trabaja con ángulos restringidos y referencias exactas unicamente?

Estas son las cuatro opciones posibles (para la paloma usé la 4 y su reflexión).

Si alguien pensó en esta otra solución, está muy bien referenciada, pero no está restringida a ángulos de 22.5 grados.

Pero volviendo a las 4 soluciones válidas, esta es efectivamente la plantilla imaginaria de posibles movimientos en este punto del diseño.
Apenas tenemos una base cometa y ya hay 4 soluciones para doblar una punta.
En 3 o 4 pasos más el número total de posibles movimientos restringidos estarán en las decenas o los cientos dependiendo del diseño, y no tardará en llegar a los miles.

Los posibles movimientos, aun imponiendo estas restricciones, aumenta pavorosamente con cada paso y con ellos aumenta también la densidad de nuestra plantilla imaginaria.

A su vez al decidirnos por un doblez en vez de otro estamos decidiendo qué dobleces podremos hacer en el siguiente paso, es decir, cual será nuestra plantilla de diseño.

Cada movimiento genera formas geométricas, pero la dirección de las líneas es restringida, así que, por ejemplo, los triángulos que podemos encontrar en el CP de una figura de este estilo son solamente 5 diferentes (sin contar sus reflexiones y rotaciones)

Las figuras de cuatro lados son más, pero por lo menos aquellas que tienen simetría bilateral son muy familiares para cualquier doblador.
Estas formas no se encuentran solamente en los CP de manera teórica sino que forman los planos de papel con los que podemos "dibujar" nuestros modelos.

Si queremos diseñar el ala de un pájaro lo haremos con estas formas o combinaciones de las mismas.

Como ejemplo práctico, notar el cuadrilátero número 2 en el pecho de la paloma o el triángulo número 3 en la superficie superior curvada de las alas.

No todas las figuras que usan este tipo de ángulos tendrán los mismos objetivos.

Como decía antes, al usar repeticiones, combinaciones y variaciones de bases tradicionales vamos a obtener las mismas formas geométricas y los mismos ángulos en las líneas.

Pero muchas veces estas bases están severamente orientadas al objetivo de obtener puntas (aletas) para el diseño.

En estos casos el diseñador no está preocupado por las formas que van a aparecer en la superficie del modelo, sino en el número, longitud y posición de las puntas, que más tarde serán terminadas de la forma más convincente posible (y ya sin limitarse a ángulos de 22.5).

Se pueden encontrar múltiples y excelentes ejemplos de modelo compuestos de esa manera.

El Demonio de Jun Maekawa es un caso paradigmático de este estilo, pero también lo son muchos modelos de Nicolas Terry, John Montroll y otros.

Las bases están característicamente formadas por triángulos de la familia de 22.5.

Estos diseños difícilmente se basen en una "cuadrícula imaginaria", sino que resultan de la aplicación sistemática (y a aveces muy ingeniosa por cierto) de métodos generales de obtención y división de puntas.

Desde el punto de vista de la optimización matemática del largo de las puntas, en muchos casos no será posible debido a las restricción en los ángulos, pero en contrapartida son modelos más fáciles de doblar y de referenciar.

Observando con cuidado los CPs de varias figuras se ven algunas características generales que permiten distinguir los que podrían llamarse modelos "orientados a la obtención de puntas" de los "orientados a las formas"

Tal vez esté de más decir que el más importante autor de modelos de ángulos restringidos y "orientados a la forma" es el Maestro Hideo Komatsu, en cuyos CPs me basé para estudiar las características generales de este tipo de modelos.

Parece ser que aun usando los mismos ángulos y el mismo tipo de referencias exactas, los modelos "orientados a puntas" tienen, en términos muy generales, menos cuadriláteros en sus CPs que los "orientados a formas" pero esto no es una constante.

También las figuras "orientadas a formas" serán frecuentemente menos eficientes en cuanto al largo de las puntas, pues para obtener una forma específica se debe usar más papel.

Como muestra esta última figura, el tratamiento que diferentes diseñadores le pueden dar a exactamente el mismo triángulo depende de cuales son sus objetivos.

La obvia solución de la oreja de conejo va a resultar en las puntas más largas que se puedan obtener a partir de nuestro triángulo.

La solución es tan común que a esta altura puede estar contaminando nuestra capacidad de razonar como diseñadores independientes y libres.

La segunda solución que se muestra es un caso interesante. Esta forma de afinado se hizo de uso común hace relativamente poco tiempo.

(Notar que cualquier tipo de afinado usando las bisectrices daría por resultado ángulos diferentes a 22.5)

Este método se puede usar en bases de ángulos 22,5 (no solamente) y afinar las puntas tanto como se quiera haciendo sucesivos hundidos, todo esto sin cambiar los ángulos, lo que hace que la base sea más fácil de manejar.

Conceptualmente es exactamente igual al caso anterior, pero el afinado conlleva a una gran abundancia de cuadriláteros en el CP. Esta no es una base "orientada a las formas" sino una fórmula sistemática sólo esperando para ser aplicada. Cuando se analiza una base como esta debería hacerse en su forma no afinada.

El último ejemplo es solamente un ejercicio para mostrar una posible manera de doblar el triángulo para generar 3 puntas, pero más que eso, para obtener una forma un poco diferente y a mi gusto también más interesante.

Con una base con el primer o segundo ejemplo ya pocos diseñadores se atreverían a intentar un ave zancuda y ponerle la firma, simplemente porque ya ha sido diseñada decenas de veces por otros.

Sin embargo con formas como las del último ejemplo, tal vez no un ave zancuda, pero sí un pájaro volando podría ser diseñado, en este caso casi con garantía de originalidad, porque estaríamos siguiendo nuestra propia plantilla de diseño.

Hay todo un mundo potencial para ser explorado con los ángulos más simples si tan sólo logramos escapar de las ideas preconcebidas sobre qué hacer con un cuadrado.

CLÁSICO ORIGÁMICO II

2007-06-24T23:15:00.001-06:00

En Diciembre del año pasado diseñé un cisne inflable.
Al presentarlo en este blog titulé "Clásico Origámico" porque era un diseño no solamente de un sujeto clásico, como un cisne, sino hecho con referencias a cosas clásicas del origami.

Para diseñar este panda tomé un par de elementos de pandas clásicos.
En realidad la mayoría de los pandas que me gustan están hechos a partir de dos papeles, uno para el cuerpo y otro para la cabeza.
La excepción es el de Komatsu, uno de los que más me gustan, y del que también tomé una idea: el cachorro puede encajar bajo su madre. (Página de Komatsu)
Volviendo a los de dos papeles, la idea inicial de este panda era que luciera tan liviano como uno de ellos, pero hecho con un sólo papel.
El otro objetivo es que fuera muy fácil de doblar, porque un modelo con aspecto clásico no puede ser complicado.
Además había visto una foto del panda "pureland" de Sy Chen el día anterior (en la fantástica página de Gilad Aharoni) y me había parecido una gran demostración de lo mucho que se puede hacer con muy poco.
Particularmente luego de la Convención de Origami Deutschland me impactó la importancia de hacer modelos para que los origamistas efectivamente doblen.
Es asombrosa la cantidad de modelos que diseñamos y que nunca nadie, o muy pocos doblarán, porque no resultan interesantes, son demasiado tediosos o requieren de materiales o habilidades de superdotado.

He pensado que deberíamos diseñar más modelos para doblar y menos para admirar.
Porque el mejor destino de una figura es ser doblada muchas veces.
Y además los modelos que no se doblan no pueden ser clásicos.

FUCHS

2007-06-17T10:02:00.000-06:00

Diseñé casi toda esta Zorrita hace unos pocos días, en viaje desde Hannover a Köln, en compañía de Joan y Anya de Origami Deutschland.

La terminé ya en vuelo de vuelta hacia Calgary.

En esta figura se resumen algunas de las cosas en las que he venido trabajando durante estos meses.

Además de usar casi exclusivamente ciertos ángulos y poder ser representada casi totalmente en un CP, tiene algunas cosas más que quiero mencionar.

Las superficies que forman el aspecto exterior son pocas y casi no están divididas por bordes de papel, excepto donde es totalmente indispensable debido al cambio de color.

Hay superficies separadas para la cola, muslo, pata, panza, hombro, lomo, mano, cuello, pecho, cabeza, orejas y dos separadas para la cara.

Luego algunos de estos planos de papel están doblados para formar, por ejemplo, la frente, lo cual recuerda al origami de poliedros, en el que un volumen queda delimitado por planos. Algo similar pasa en el lomo.

La Zorra da lejanamente la impresión de estar formada por formas geométricas encajadas.

Los planos de papel sin divisiones, creo yo, hacen que la figura parezca muy sencilla, como "dibujada".

Es estimulante saber que se pueden usar todos estos preciosos recursos del origami más clásico sin sacrificar la expresividad.

Las líneas rectas no se han asociado demasiado con la expresión en el origami.

Generalmente es aceptado que los autores más expresivos usan una gran cantidad de terminaciones en forma de dobleces suaves, puntos inexactos y líneas curvas.

Probablemente esta tradición se remonta a las legendarias piezas de Yoshizawa, sutilmente llenas de vida. Pocos se pueden preciar que haber continuado esta línea con éxito. Seguramente se puede mencionar a Saadya Sternberg, Michel Lafosse y a Eric Joisel en este sentido.

Habiendo yo mismo incursionado (con considerable menos éxito que los antes mencionados!) por algunos años en esta forma de doblado que me encanta, estoy en un momento en el que quiero intentar otros recursos. Hasta ahora me ha pasado de encontrar un lugar para cada una de las técnicas con las que trabajo. Pienso que es perfectamente posible integrar lo mejor de cada cosa para lograr un origami que no dependa totalmente de las terminaciones para ser expresivo, pero que tampoco se limite a una serie de dobleces rectos y frios.

En el caso de la Zorra, con sus planos rectos, sus referencias al origami gométrico y sus líneas puras, talvez debo decir: es estimulante poder usar también estos recursos para reforzar la expresividad.

LA NATURALEZA DEL ORIGAMI

2007-06-04T23:39:00.000-06:00

En dos días viajo a Alemania para la convención de Origami Deutschland. Cuando debería estar doblando modelos para la exhibición, he estado diseñando este Martín Pescador.
La pieza es pequeña, simple y esquemática, aunque para nada tradicional.
Hace uso de las delicadas estructuras que se pueden obtener cuando se usan ángulos de 22.5 de maneras un poco inesperadas, por llamarlo de alguna manera.
Intento que todo encaje de manera armónica y que cada doblez aparente tener un propósito en el conjunto del modelo.

Se ha dicho hasta el cansancio que la eficiencia matemática en el uso del papel se refleja más tarde en la elegancia de una figura. No puedo estar de acuerdo con esto.
La elegancia de un modelo va a depender mucho más de la ingeniosa interdependencia de sus partes y la habilidad de su diseñador para darle a cada parte del papel un rol convincente.
Agradezco la probable imposibilidad de reducir todo esto a alguna fórmula numérica que le quite todo el placer al diseño intuitivo.
No suelo poner muchas fotos de mí mismo en este blog pero aquí va una, pues en ese preciso momento estaba diseñando este modelo.

El lugar es un Parque Nacional en la zona de Kananaskis, al Oeste de Calgary.

Literalmente las ardillas me correteaban entre los pies y pájaros bajaban a la mesa a comer migas de galletas.

Luego de esto siento que sería una herejía usar un algoritmo para diseñar, por más largas que salgan las puntas.

LAS GARRAS DEL ROC

2007-05-12T21:44:00.000-06:00

En una entrada anterior de este blog ("Apuntes sobre diseño de aves") describí una serie de maneras que diferentes autores han utilizado para diseñar patas de pájaros, de tres y de cuatro dedos.
Algo que no menciono en ese artículo es que para diseñar patas de cuatro dedos se necesitan 3 divisiones en el papel, o un múltiplo de tres.
La razón es muy simple: lo que cuenta no son las puntas sino los espacios entre ellas.
Por ejemplo entonces para hacer 5 puntas (como una mano humana) se necesitan en realidad divisiones en múltiplos de 4 (todo esto siempre y cuando obtengamos todas las puntas a partir del borde del papel).
Otro dato interesante es que se debe utilizar un número par de divisiones. Esto es para evitar que las puntas de los dedos queden orientadas alternadamente una hacia cada lado y con cambios de color indeseables.
Repasemos: múltiplos de 3 y números pares, la opción suele ser 6 o en su defecto 12 (con la ventaja adicional de ser un múltiplo también de 4, número muy utilizado en las divisiones del papel)
Esta es la clásica división en 6 para hacer los 4 dedos de las patas de la mayoría de las aves.

Al diseñar el Roc me encontré con un problema con el que no me había cruzado antes.
El diseño está hecho por "box pleating" con lo cual es preferible mantener las divisiones todas iguales. Una vez diseñada la cabeza, cuerpo y alas, quedaba el espacio del papel destinado a las patas que llevarían 4 dedos.
Siguiendo el ancho de las divisiones que utilicé en el resto el modelo, la parte de las patas tenía exactamente 15 divisiones....
15 es efectivamente un múltiplo de 3, pero claro, es impar.
Algunas posibles soluciones eran:
- Usar 3 divisones más para llevar las patas a un ancho de 18 unidades (múltiplo de 3 y par). Pero estas 3 unidades se las estaría"robando" a las alas dejándolas más cortas.
- Usar 3 divisiones menos, llevando el número a 12. En ese caso los dedos quedaban demasiado cortos y las patas demasiado largas.
- Dividir el espacio de las patas en 6. En ese caso las divisiones correspondientes a las patas serían de un ancho diferente al del resto del modelo, complicando mucho el diseño de la cola, en la que los dos tipos de divisiones se cruzaban.
- Usar las 15 divisiones para hacer 4 dedos de largos variados. Parecía una solución poco elegante y casi desesperada.
- Cambiar toda la estuctura del modelo para que las patas queden con un número de divisiones más fácil de trabajar. El problema con esto es que las alas y la cabeza habían quedado muy bien proporcionadas y quería aprovechar el modelo de la manera como estaba.
- La obvia idea de un injerto en franja podría funcionar, el problema es que hay que también agregar papel en la dirección opuesta para mantener la forma cuadrada del papel, y ya no tenía nada en que utilizar este papel. El modelo ya tenía un injerto para hacer el pico abierto y para alargar las alas.
- Y ya en el grupo de las soluciones exóticas, se podría pensar en utilizar un papel rectangular para poder agregar un poco de papel a las patas. Es decir, poner un injerto pero sólo en uno de los bordes del papel. Esta fue rápidamente descartada...

Finalmente opté por ver cual era la mejor manera de hacer 4 dedos a partir de un múltiplo de 3, pero impar, como 9, o el número que tenía verdaderamente:15.
Empecemos por 9 que es más fácil de visualizar.
En el esquema se ve cómo el número impar afecta la orientación de las puntas quedando 2 en una dirección y 2 en otra.
Esta solución, si bien es posible, resulta poco elegante y complicada de doblar.
En esta otra los dobleces son todos de "box pleating", fácil y bonito, pero el problema de las puntas alternadas no se resuelve.
Finalmente llegué a un método que me convenció lo suficiente como para utilizarlo en el modelo.
Aquí se sacrifica una franja en la punta de los dedos que acorta ligeramente la pata. Esto es un artificio que permite que todos los dedos queden a la misma altura y orientados hacia el mismo lado.
Curiosamente, como se ve en el CP, hay dos que surgen del borde del papel y dos que salen del medio, pero en la pata terminada no se ve diferencia.

El último paso era aplicar este principio a las 15 divisiones de las patas del Roc y ver cómo funcionaba. Voy a mostrar aquí un diagrama de la pata separada del resto del ave, comenzando por un cuadrado dividido en 15 partes.

Lo primero entonces es doblar una franja del ancho de una unidad en la punta de los dedos.
Observar cómo se utilizan 5 divisiones para formar el espacio entre los dedos. En el dedo que queda formado a la derecha, la diagonal es en monte, mientras que en el de la izquierda es en valle. Esto es consecuencia del numero impar.
Notar también cómo la franja doblada en la punta de los dedos evita un cambio de color.
Aquí se ve un dedo terminado y cómo se sigue con los otros tres. Mirando el CP con direcciones asignadas se verá cómo los montes y valles quedan en espejo a cada lado de cada dedo.
La franja doblada al principio del diagrama se saca hacia afuera en los dos dedos que quedaron mirando hacia el otro lado.
Luego se hunde abierto para dar a todos el mismo aspecto.
Otra cosa interesante: los dedos tienen 2 unidades de largo en el lado de abajo y 2,5 del lado de arriba. Esto hace que se abran en abanico con un aspecto muy curioso.
Considerando todas las posibles soluciones que intenté aplicar, esta resuelve muy bien el asunto y brinda además un recurso que se puede utilizar para números diferentes a 15 dependiendo de cuantas puntas se quieran obtener.
Por lo pronto para el diseño de aves con 4 dedos tenemos 9, 12, 15 y 18 como números que no van a dar problemas.
Por último, los dedos del Roc terminan en unas bonitas garras que no fueron hechas con un doblez escalonado ( lo cual acortaría el dedo por otra parte).
Estas uñas salen de la disposición particular en la que quedan las capas de papel al utilizar este método.

DESCANSO

2007-04-27T09:06:00.000-06:00

Me he tomado un pequeño descanso de las figuras con líneas puras y simples, para mostrar este diseño de un Roc, ave gigante de la antigua mitología Persa.

Bien podría ser un águila pero me pareció que la exageración de algunos rasgos y las plumas erizadas eran demasiado para un ave del mundo real.

Este es probablemente el único diseño que he hecho basado casi totalmente en "box-pleating".

¿Cuantos de los conceptos del origami más simple pueden ser aplicados a este tipo de figuras muycomplejas?

Muchos sin duda. Por lo pronto, tomando en cuenta su complejidad, este Roc tiene muy pocas terminaciones y moldeados, casi todo se podría expresar sin dificultades en la forma de un CP.

Cuando se tienen tantas líneas diferentes, tantos elementos separados en la misma figura, cada cosa individual deja de tener tanta importancia.

Creo entonces que el secreto es pensar cada parte como si fuese la única y cuidar que se vea perfecta: como si cada elemento en sí mismo fuera un diseño simple. De otra manera este tipo de modelos terminan viéndose como un entrevero de papel sin sentido.

El Roc está doblado en papel banana blanco previamente pintado y aprestado. El doblado lleva unas 4 horas y media entre premarcado, doblado propiamente y terminaciones.

ESTUDIO SOBRE VOLUMEN

2007-04-14T02:22:00.000-06:00

En las entradas anteriores mostré fotos de modelos muy sencillos en los que la principal característica era el volumen.
La tridimensionalidad estaba dada por un poliedro, un espacio limitado por paredes planas, que forma por ejemplo, el cuerpo del animal.
Para darle más interés a la figura este poliedro se mantenía colapsado hasta el último momento, entonces mediante un soplido, se inflaba mágicamente terminando el modelo.
En cada caso, uno de los objetivos era que estos poliedros fueran cerrados, o todo lo cerrados que se pueda, no sólo por bonito sino porque es la única manera que puedan ser inflados.
Desde la última entrada de este Blog he estado trabajando intensamente sobre el tema, trabajo que ha rendido más de un par de modelos de esta índole.
También he intentado llevar el tema a campos un poco más complejos que las mil variaciones sobre el globo tradicional.
Las fotos muestran el último modelo resultado de este trabajo, un pájaro posado sobre la punta de un poste.
Al aumentar la complejidad del doblado, el inflado mediante un soplido deja de ser posible, o por lo menos no sin gran sacrificio de la calidad de doblado de la figura.
De manera que en este caso los poliedros están doblados cuidadosamente en su sitio, no han sido colapsados para después inflarse.

La figura proviene de la búsqueda de maneras de obtener más de un poliedro desde un mismo papel.
El ave está de hecho formada por poliedros que han sido "suavizados" para permitir un aspecto un poco más biológico, además del agregado de patas, pico y ojos.
La pirámide es totalmente cerrada en todas sus caras y el pájaro está abierto sólo en la parte trasera del cuello.
Para que el volumen se mantenga en su sitio una parte considerable del papel ha sido usada para generar mecanismos de trancas efectivos: nada peor que un modelo con mucho volumen que se desarma con apenas tocarlo.
Hay unos cinco tipos diferentes de cierres: para la pirámide, parte trasera del cuerpo, alas, pico, cabeza y ojos.
El resultado es que la figura se puede tomar sin cuidados pues no se desarmará de ninguna manera.
Al mismo tiempo estos mecanismos de trancado hacen que el doblado sea muy placentero.

Queda prometido un artículo más extenso sobre este tema, mostrando varios modelos, propios y ajenos, para ejemplificar.

PASCUAS

2007-04-06T00:38:00.000-06:00

Más origami inflado. El tema es tan fascinante que me está resultando difícil dejarlo.
A su vez es limitante y complicado, nada puede descuidarse, cada parte del papel debe cumplir una función precisa.
Dos meses de la idea costó este conejito de pascuas que un niño podría doblar.

ORIGAMI (?) VIAJERO cuarta y última

2007-03-22T11:07:00.000-06:00

48 HORAS EN MEXICO.
Coyoacán y San Angel

Nada de esto es origami, no.
Ni siquiera es papel, excepto por las flores y el papel maché de las calaveras. Seguramente se pueda sin mucho trabajo encontrar la conexión más allá del papel.
Estas ranas parecen haber sido diseñadas por Robert Lang o por Daniel Robinson. La estética se repite traspasando culturas. Más ranas, esta vez de vidrio colorido.
Cajones de fruta y verdura, canastos de pan, todo miniaturizado. El conjunto recuerda a los trabajos de Momotani.
Flores de papel multicolor. Hubiese necesitado una lente gran anlgular para tomarlas todas. Cubrían hasta el techo.

Las tradicionales muñecas con cintas en el cabello, todas sentadas al sol.

Una de las miles de versiones del arbol de la vida. La pieza es tan recargada y llena de detalles que cuesta abarcarla con la vista.

Un Geko en la pared...
Hecho en una lámina de metal recortado y repujado. Figuras como esta cubren paredes enteras representando tortugas, lagartijas, ranas e insectos variados.

Peces, peces. Uno de lineas puras y simples, otro arqueando la espalda en un salto. En otro lado, miniaturas de pescado.
Bisagra de la puerta de la Iglesia de Coyoacán.

Caras y máscaras variadas. Personas, animales y combinaciones inverosímiles de ambos. Parece que ya no queda nada por inventar.

Las famosas "calacas" del culto a los muertos. Los esqueletos se visten para toda ocasión. Una tradición Mexicana de raices profundas y cuya presencia se hace notar en cada rincón.
Un Xolointzcuincle en una plaza. El perro pelado Mexicano es una de las pocas razas carentes de pelo del mundo. En la mitología precolombina este animal era el encargado de conducir a los muertos hasta el inframundo.

Tallas en madera, un caballo de calesita y la original representación que una artesana hizo de un Hipogrifo, macho y hembra.

ORIGAMI VIAJERO Tercera parte

2007-03-12T16:17:00.000-06:00

Este Goldfish es un modelo tan sencillo en su ejecución como complicado en su historia.
Es un producto del trabajo que he estado haciendo sobre modelos inflados, a partir del Cisne que presenté hace unos meses.
Además tiene que ver con los dos temas que menciono más adelante en esta misma entrada: lo diseñé en un viaje en avión volviendo de mis vacaciones, y comparte una vieja idea mia con la idea que Oscar Badillo, de Perú, presentó en el taller de diseño que hicimos en la Convención de Chile. Oscar propuso hacer un pez "redondo, todo inflado"
Este pez, al igual que el Cisne, se infla de un soplido en el último paso de la secuencia de doblado.
En el Goldfish, a diferencia de una rana tradicional por ejemplo, no quedan capas desplegadas a medias.
El volumen está contenido por paredes con límites netos que deben ser previstas en el diseño para que funcionen de esa manera.

DOBLANDO EN EL AIRE
Aunque la comida de los aviones suele ser malísima, tiene la ventaja que las bandejas incluyen un mantelito de papel y en ocasiones una tira también de papel, que sujeta el cuchillo y tenedor.
La gracia del diseño con estos trozos de papel es que que no sabemos de antemano sus dimensiones. Siempre podemos cortar un cuadrado a partir del rectángulo, pero también se puede usar la oportunidad para una pequeña improvisación.
Creo que el diseño espontáneo es toda una forma de crear en sí misma. No es probable que vayamos a repetir el mismo diseño pues ni siquiera sabemos las dimensiones con las que comenzamos.
Además, como buena improvisación, nos obliga a poner en juego todos los recursos que conocemos para obtener puntas, superficies, partes de animales, poses y movimientos.
Esta micro Jirafa está improvisada a partir de un pequeño rectángulo de papel proveniente de la bandeja del almuerzo de LAN Perú.
El modelo me gustó lo suficiento como para luego volver a doblarlo con un mantelito de LAN Chile dos semanas más tarde.

Ya volviendo, Mexicana de Aviación aportó el material para este caballo.
A la largo de un mes doblé con recibos, tickets, envoltorios y boletos de bus sólo para mencionar algunas de las fuentes del papel.
Claro que si, esto es también parte de la belleza del origami, lo banal de los materiales.

TALLER DE DISEÑO EN PURRANQUE

En la foto (cortesía de José Cortés) analizamos el modelo de Hernán junto a Patricio, el propio Hernán y Roberto.

Aunque parecía una idea complicada, hicimos un taller de diseño de origami en la Convención de Purranque.
El plan fue hacer un taller en dos sesiones, en la primera quedaría planteado un tema para diseñar y cada cual presentaría sus ideas sobre cómo llevarlo adelante. La segunda sesión sería para mostrar los resultados de cada uno y realizar críticas, ideas y sugerencias a los modelos obtenidos.
Decidimos que diseñaríamos un pez. Cada uno presentó sus propias ideas de cómo sería su pez y cuales serían las "ideas básicas" para diseñar ese pez.
Así se plantearon proyectos de pez muy interesantes, varios de los cuales llegaron a mostrarse en etapa de borrador.
El taller tuvo el propósito técnico de mostrar cómo puede ser el proceso de diseño con objetivos, además de dar ideas sobre la resolución de problemas sobre figuras en borrador.
Pero a mi manera de ver, el objetivo más importante es la desmistificación del proceso creativo mostrándolo como una actividad que se basa en el trabajo sobre ciertas herramientas técnicas sumadas a la estética particular que cada uno de nosotros tiene.
La variedad de los conceptos personales sobre un tema quedó bien establecida cuando de unos 10 participantes en el taller, ¡surgieron 10 ideas de peces diferentes!
Cuando hubo que llevar a la realidad el pez que que cada uno se imaginaba, fue claro que la experiencia previa en el diseño de origami jugó un papel preponderante.
Aplicar las herramientas y recursos de diseño para acercarnos a lo que queremos obtener es un proceso trabajoso, pero mejora a pasos agigantados con cada nuevo modelo que se diseña.

Una preciosa improvisación rápida de Polo Madueño usando la misma hoja de papel donde escribió los objetivos para su diseño. (foto cortesía de José Cortés)

ORIGAMI VIAJERO Segunda Parte

2007-03-10T18:04:00.000-07:00

SOUVENIRS
Una rana de Miguel Kaiser. Impresionante composición.
En todas las piezas Miguel da gran importancia a la actitud y posición del animal.
Esta rana está doblada con un papel sandwich al que se le agrega textura arrugando la seda previamente, luego se decolora por manchones lo que da un color muy natural.
Polo Madueño, arquitecto Argentino y origamista, puso esta entrada para el concurso de diseño rápido en Purranque.
Polo dobla en húmedo (en este caso con papel Elefante) basando gran parte del diseño en las curvas y el moldeado del papel con muy buen gusto.

Elizabeth Montoya, gran amiga Colombiana, me mandó una de sus preciosas tarjetas de origami a través de Antonio Vargas.
La tarjeta sufrió un poco el largo viaje pero llegó a Calgary para lucirse ahora en un estante.
Daniel Naranjo, me emocionó enviándome algunas de sus piezas. Los trabajos más conocidos de Daniel son alegorías hechas en papel usando técnicas de Origami. En este caso el "Treemaker" se refiere con humor al software de Robert Lang a la vez que a la simbología del arbol como origen de vida.
Roberto Soto de Chile me regaló su entrada al concurso de diseño rápido: un gallo esquemático y efectivo con excelentes cambios de color y un aire de caricatura.
Gabriela Orso, Argentina. Tuvo regalos lindísimos hechos por ella para todos.
Patricio Kunz, un estilo particular de diseñar y doblar. Me traje uno de sus Rinocerontes.
Sus animales parecen dibujados con trazos rápidos y espontáneos. Según él mismo, hay influencia de Stephan Weber.
Heinz Strobl, por supuesto. No importa cuantas veces uno vea sus trabajos, vuelven a ser atrapantes.
La pureza de las líneas, la perfección de cada doblez, la geometría que cuesta comprender.
Nicolas Gajardo me regaló un Stiracosauro. Con un estilo técnico, expone cada figura con un CP .
A partir del León que publicó el año pasado en libros de convenciones, hasta ahora, ha creado mucho más y muy bueno. Diseña con un CP en mente y juega con él a sus anchas, pero siempre en forma intuitiva.
Dentro de Origami Chile lo llaman con humor "Nicomatsu". Decididamente un mal nombre pues la forma de trabajo y los espectaculares resultados de Nicolás son mucho más comparables con Kamiya que con Komatsu.

No pude incluír todos los recuerdos que me traje, como el CD de "Mil grullas por la paz" que me dio Mari Afranchino, la visita a la casa de Antonieta, figuras que me regalaron varios plegadores, el truco de magia que me regaló "el vecino" o la demasiado corta pero intensamente disfrutable charla con Dino Andreozzi.
Espero que todos sepan comprender las omisiones.

ORIGAMI VIAJERO Primera Parte

2007-03-08T14:30:00.000-07:00

Hace dos días que estoy de regreso en Canadá.
Me queda el recuerdo de el fin de semana que pasamos en Purranque.
Me queda el recuerdo de una convención hecha a pulmón, con sacrificio y muchas ganas, una convención llena de entusiasmo, talento y alegría decompartirlo todo.
Sólo puedo agradecerles nuevamente a todos por haberme permitido acompañarlos, y por lo menos por unos días tener la ilusión de pertenecer un poco más a este priviligiado grupo del Origami Latinoamericano.
La Convención de Purranque, sin ser la pionera del continente, ha permitido consolidar definitivamente nuestro arte en Suramérica con su sólo presencia y continuidad.

Origami Chile se ha establecido como uno de los grupos de origami más importantes y activos de America del Sur, logrando ejemplificar cómo se puede efectivamente funcionar en forma colectiva a la vez que se aportan individualidades con la proyección de Miguel Kaiser, Nicolás Gajardo o el Propio Patricio Kunz.
Así, creo yo, se resumiría el éxito de Origami Chile en cuanto a sus aportes para toda la comunidad de dobladores.
Dejé Chile sintiendo que, a pesar de intentar lo contrario con todas mis ganas, me llevé mucho más de lo que dejé. Pero creo que no me equivoco si pienso que de alguna manera todos debemos haber sentido eso mismo. Es como una multiplicación mágica, como los panes y los peces.
Sólo me resta decirles que tienen un gran grupo de gente y todavía mucha gente por llegar, que se los quiere en toda América, que sigan adelante como hasta ahora y que al igual que en las buenas figuras de papel, no importa el resultado final, sino disfrutar el camino para llegar hasta él.

El contingente de brasileros.

El grupo chileno. (dos fotos)
Los alegres argentinos.
Perú dijo presente.

Antonio de Colombia, se llevó todos los aplausos con su espectáculo de sombras chinas y su afabilidad.

"El vecino" hace magia: aquí amenaza a Gabriela con cortarle el dedo que usa para doblar!
Concurso de creación rápida: 24 horas para crear el mejor gallo. Varios nos presentamos pero ganó con gran justicia Nico Gajardo, diseñador de alto vuelo que merece un capítulo aparte. (foto cortesía de Nicolás Gajardo)
Antonieta, anfitriona en Purranque, charla con Mari Afranchino y el Señor Intendente de Purranque.

Foto de grupo del taller del Cisne.
En el mismo taller, Paola (la colega Veterinaria!) Patricio y Tatiana, cisne en mano.
Gabriela Orsa enseñándo un modelo a los Stobl.
Gabriela el sábado abrió sus cajas de sorpresas: modulares perfectos, diseños propios que nos dejaron boquiabiertos, pecesitos voladores, ranitas saltarinas... Ejemplo de modestia la chica.
Hernán Sandoval doblador estrella de Origami Chile, con Antonio de Brasil que trajo los más preciosos muñecos representando los "orillás" de la cultura afroamericana, hechos en papel. (foto inferior cortesía de Antonio Theodosio, autor de la figura)

En Santiago, la hospitalidad de Rodrigo Salazar y Mariela. Me llevaron a comer a un lugar en la calle Román Díaz! Más tarde en el estusiasmo de encontrar una secuencia de doblado para un Jabalí rompimos con los codos una mesa de vidrio (no hay fotos....)

FEBRERO INTERESANTE

2007-01-31T09:50:00.000-07:00

- Durante todo el mes de Febrero estaré de vacaciones, por lo cual no es probable (pero sí posible) que actualice este espacio.

- Gracias a una invitación de Origami Chile que no puedo agradecer lo suficiente y aprovechando las vacaciones, el 15 de Febrero estaré en la Convención de Origami Purranque 2007.
Tengo grandes expectativas de encontrarme y rencontrarme allí con amigos además de volver a ver el sur de Chile que conocí mochileando hace 12 años .

- Está previsto para la Convención que imparta cuatro talleres, incluyendo tres modelos inéditos y uno en dos sesiones sobre diseño de figuras.

- De alguna manera la gente de Origami Chile ha encontrado y publicado mi filiación futbolística: Misiones.
Debo corregir, Miramar Misiones es el nombre, también lamados los "zebritas" por la camiseta a rayas o "los monos" por la cercanía de su sede al Zoológico de Montevideo.

- La figura de la foto es un encargo de un gran amigo y será publicada este año en un libro colectivo imperdible del que habrá que estar pendientes.

- Había planificado un par de artículos para este blog, uno sobre diseño usando ángulos restringidos y otro sobre cómo se generan las referencias para los dobleces.
Ninguno de los dos pudo ser este mes, veremos como va Marzo.

PUNTOS DE VISTA

2007-01-20T00:32:00.000-07:00

Solamente un pequeño chiste en papel doblado.
Esta grulla tradicional está distorsionada de tal forma que cuando se mira perfectamente desde un costado parece estar en ángulo.
El tema de jugar con viejos modelos, particularmente la grulla y la pajarita, no es nuevo.
Uno que me gusta mucho es el dibujo de una grulla sobre fondo blanco, hecho con origami por cambios de color, el Tsuru Tatou de Kasumi Seishi (en la página de Origami Tanteidan)
O este "chiste" aun más complejo: una grulla de origami representada con una figura de hilo, por si fuera poco ¡el diseño es de Jun Maekawa...!

Aquí queda el CP de la Grulla en Perspectiva que tiene apenas algún doblez más que la auténtica grulla tradicional.

ESAS MOLESTAS CAPAS

2007-01-11T11:48:00.000-07:00

Desde el momento que doblamos el papel por primera vez estamos generando capas.
A partir de ese primer movimiento, el siguiente doblez puede hacer tres cosas: generar más capas, deshacer la capa anterior o cambiar la posición de las capas existentes.
Habitualmente doblamos para generar formas en el papel, y la acumulación de capas está vista tan sólo como una consecuencia, buena o mala, de doblar.
Sabemos por ejemplo que si queremos generar una aleta de 45° y la sacamos de una punta de papel tendrá 2 capas, si la sacamos del borde tendrá 4, y sacada del medio, 8.
La acumulación de capas limita el tamaño y el grosor del papel que podemos usar para determinados modelos.
En términos generales cuanto más complejos son los modelos, mayor es el número de capas que acumularán.

La mayoría de las capas corresponden al papel que queda adentro del modelo, aparentemente sin ningún propósito útil, mientras que una pequeña parte, queda colocada hacia afuera, y conforma lo que vemos del modelo: las zonas visibles.
¿Qué propósitos pueden cunplir las capas además de molestar?
¿Vale la pena gastar tiempo de diseño en pensar cómo colocar las capas que no quedan visibles?
La respuesta es siempre si; una buena distribución de capas puede no sólo mejorar el aspecto general del modelo sino formar partes visibles.
Durante el proceso de diseñar un modelo conviene mantenerse alerta sobre papel que vamos dejando adentro pues de allí muchas veces podemos obtener aletas o estructuras interesantes.
Otras veces una distribución diferente de las capas permite un cambio de color o el desbloqueo de una zona antes inaccesible.
Veamos algunas razones por las que hay que ocuparse de las capas:

ACCESO A PAPEL OCULTO
Al doblar el papel “a través de todas las capas” estamos necesariamente generando capas ocultas.
Esto significa enterrar gran parte del papel en las profundidades del modelo. Muchas veces esto puede ser lo que queremos, pero otras veces estamos perdiendo posibilidades interesantes.
Aletas enteras pueden quedar ocultas en el interior de otras capas y para recuperarlas hace falta modificar la forma como se superponen las capas.

CAMBIOS DE COLOR

Los cambio de color requieren de una distribución cuidadosa e intencionada de las capas. Nunca se debe pensar que un cambio de color es imposible (que a veces lo son...) hasta no haber probado todas las posibles posiciones de las capas, incluso aquellas que implican desdoblar casi todo el modelo y volverlo a doblar con una distribución de capas diferente.

En el cuello del cisne una distribución “perfecta” (a la derecha de la foto) resulta en un cambio de color indeseable en la mitad del cuello. Observar además cuanto más fácil es mantener el modelo cerrado con una distibución como la que se ve a la izquierda.

GROSOR Y DOBLABILIDAD

Este es uno de los puntos claves en los que a capas se refiere. Una distribución simétrica de las capas dará un aspecto más elegante y de menor grosor, por ejemplo: una pata de un pájaro (veamos por ejemplo cómo están colocadas las capas en las patas de la Dancing Crane de Lang o las de mi Pájaro Secretario)
Por otro lado la distribución “perfecta” suele tener menor doblabilidad pues significa abrir partes del modelo para cambiar la dirección de los dobleces.
No es posible llegar a un acordeón “valle-monte-valle-monte” en el medio deol modelo, a partir de un proceso de doblado estilo “pureland”.
Las distribuciones simétricas de las capas suelen requerir movimientos de hundido abierto y desdoblado de grandes zonas del modelo.

TRANCAS
Nada más bonito que utilizar las capas para que tranquen unas con otras evitando que el modelo se abra.
A veces implica que la mitad izquierda del modelo quede diferente a la mitad derecha para que una aleta en un lado se introduzca en un bolsillo del otro lado.
Otras veces simplemente una determinada colocación de las capas por sí misma genera la tensión necesaria para que el modelo se conserve cerrado.
Como me ha hecho notar José Ignacio Royo, la distribución simétrica es en general la peor mane- ra de mante- ner un modelo cerra- do pues no permite generar el mecanismo de “aleta y bolsillo”.
La foto primera muestra la parte inferior de mi Pingüino. Las capas están puestas de tal manera que impiden que el modelo se abra. Si no fuese por este mecanismo el modelo debería pegarse con cola!

Las otras dos fotos (en rojo) muestran la parte inferior de mi Jabalí (CP en la entrada anterior de este blog). Dos pequeñas aletas en la base de las patas delanteras, se usan para trancar las capas internas y ayudar a cerrar el modelo.

BORDES VISIBLES
Los bordes de papel pueden ser un componente importante de un diseño formando partes de la figura o dibujos sobre las superficies visibles.
Ya sea que querramos ocultar bordes o mostrarlos, la manera de hacerlo es distribuir las capas a nuestro gusto.
Muestro aquí el ejemplo de este Buho en el que tres bordes desencontrados dan la impresión de plumas del ala.

VOLUMEN
Una extraña manera de dar volumen a un modelo es acomodar las capas en forma acordeonada y permitir que el modelo se abra solo. El recurso puede sonar extraño pero cuando se usa bien puede tener resultados impresionantes.
En la página de Komatsu Hideo, observar el lomo de su Macaco Japonés.
Redondeando un poco, no existe una distribución de capas que sirva a todos los propósitos al mismo tiempo.
Cada modelo y cada parte de un modelo requiere un tratamiento diferente. Muchas veces hay que tomar opciones de compromiso, sacrificando una distribución que nos gusta por otra que permite trancar mejor mejor, o cambiar el color.
Pero lo que de ninguna manera puede hacerse, es ignorar las capas, pues forman parte del modelo y cumplen funciones importantísimas.
Ese papel que dejamos dentro, puede ser un noventa porciento de la figura, así que es mejor usarlo bien.

AÑO DEL JABALI, viene con CP

2007-01-02T17:56:00.000-07:00

Este es el CP prometido ayer. También una nueva foto del animal mejor doblado.
Espero que sea disfrutable.

AÑO NUEVO

2007-01-02T00:23:00.000-07:00

Sin demasiados comentarios, simplemente un jabalí para este año nuevo.
El modelo es producto de un sólo dia de trabajo, como corresponde, el primer día del año del Jabalí.
Espero dibujar el patrón de dobleces para publicarlo aquí mismo.
¡Muy feliz año para todos!

CLÁSICO ORIGÁMICO

2006-12-27T21:55:00.000-07:00

Cisnes y pingüinos son probablemente dos de los sujetos más clásicos de todo el origami.
Este mes, luego de casi 10 años de diseñar, hice un pingüino y un cisne, ambos por primera vez.
(Me recuerda a la historia del Maestro Yoshisawa, que afirmaba haber tenido que esperar 20 años para crear una cigarra que le gustara!)
Este cisne es un clásico en varios sentidos.
Para no aburrir repitiendo las mismas cosas una y otra vez, sólo diré que tiene todos los elementos con los que he estado trabajado en este tiempo.
Además por primera vez para mi, este es un modelo que se infla. Y no quiero decir solamente que tiene volumen o que es "3D", sino que como única forma de terminación hay que soplar hacia adentro del cuerpo de tal forma que las capas se separen tomando su forma final de sección triangular.
Lo mismo puede lograrse insertando algún instrumento dentro del modelo para abrirlo y dejarlo 3D, pero claro que no es tan divertido, ni tan clásico.
El otro elemento clásico es la base de pájaro que se ve claramente formando el cuerpo.
¿Ya la vió Usted? Pues bien, la verdad es que el modelo no tiene ninguna base de pájaro en su estructura. Lo que se ve formando el cuerpo es una imitación de la tradicional base, pero formada por partes del papel que ni siquiera son adyacentes.

ORIGAMI

2006-12-11T20:27:00.000-07:00

REGLAS
En las pasadas semanas he estado experimentando con un estilo de origami que me resulta particularmente atractivo.
Ya en entradas anteriores he mencionado que intento que los modelos tengan algunas características especiales:
- Cambios de color automáticos.
- Volumen que ocurra lo más naturalmente posible.
- La mayoría de las líneas del modelo final incluídas en el CP.
- A consecuencia del punto anterior: pocas terminaciones.
- La menor cantidad posible de papel “doblado hacia atrás” para conseguir la forma deseada.
A esta lista de deseos (casi como algo para pedirle a Papá Noel...) le agrego dos criterios del “hiperpurismo”:
- La mayor cantidad posible de ángulos múltiplos de 22.5º o de 15º.
- Dobleces totalmente referenciados.

RAZONES
En principio no existe ninguna razón lógica para darle más valor a un ángulo que a otro o a una forma de cambiar el color sobre el resto.
Saquemos entonces esa molesta lógica del medio. Un posible y muy válido argumento es “porque me gusta así”.
Otro forma de verlo es pensar que un juego de reglas bastante parecido se podría también aplicar a gran parte de los modelos tradicionales. Este estilo entonces puede ser visto como una continuación de los principios del origami tradicional.
La tendencia a mantener estas reglas del doblado, especialmente por el Maestro Hideo Komatsu, ha contrastado con los estilos más osados de otros Maestros que han intentado llevar el papel hasta el límite de varias maneras distintas.
Arrugando o curvando, varios han buscado algo más que dobleces en el Origami.
Saadya Sternberg lo define magistralmente: unos hacen arte usando origami y otros hacen del origami, un arte.
Otra razón entonces podría ser: si lo que hago es origami, intentemos que sea lo más “origami” posible, lo cual por otra parte, implica un manejo de la técnica puramente origamística, mucho mayor.

REVOLUCIONES
Las reglas que menciono, curiosamente, son muy precisamente opuestas al origami del desaparecido Maestro Akira Yoshizawa.
Yoshizawa hacía modelos con muchas terminaciones, dobleces casi nada referenciados, ángulos impredecibles y daba volumen a sus figuras moldeando el papel como arcilla.
Esto es toda una revolución para su época, y dió lugar a técnicas tan arraigadas hoy en día como el doblado en húmedo, así como a algunos métodos más puramente origamísticos como un tipo de división de puntas.
Yoshizawa se alejó de las reglas del origami tradicional y del clásico porque en aquel momento se necesitaba que alguien rompiera el molde y encontrara un camino diferente.
Pero Komatsu hizo también una pequeña revolución al mostrar que se podían utilizar los mismos principios que los origamistas de hace 500 años para hacer modelos completamente actuales. El León de Komatsu es fiel a estos principios y sigue siendo una obra maestra del origami actual, aun comparado con modelos que utilizan las técnicas más modernas de diseño.

RESULTADOS
Al diseñar utilizando estas reglas se suelen encontrar algunas cosas en común en los modelos.
En términos muy generales:
- Son modelos con una apariencia engañosamente simple.
- Están formados por grandes planos de papel.
- Los cambios de color, si los hay, se ven naturales, nada forzados.
- No existe una base como tal, pues la base es, practicamente, el propio modelo.
- Las capas de papel están a menudo abiertas como en acordeón, dobladas individualmente, y no de a manojos.
- Los bordes de papel coinciden unos con otros.
- Resulta posible generar muchas secuencias de doblado diferentes, pues es fácil encontrar varios puntos de referencia para cada doblez.

para RESOLVER
Los Spaniels que muestro en la foto son uno de los cuatro modelos hiperpuristas que he diseñado en las últimas semanas.
El ejercicio de llegar a la forma que se quiere, guiándose por las limitaciones impuestas por estas reglas es indescriptiblemente interesante.
Y no es una contradición: guiándose por las limitaciones.
Porque saber qué es lo que NO puedo hacer, en una manera de saber QUE hacer.
Y eso sí que es muy origamístico.

COMO LOS LOROS

2006-12-07T23:12:00.000-07:00

¿PINGÜINO AUTOMÁTICO?

2006-12-05T01:10:00.000-07:00

A pesar de ser un ave, nada tiene que ver este modelo con los artículos anteriores de este blog sobre diseño de pájaros.
Los pingüinos, así como la mayoría de los buhos de origami, tienen características particulares que los separan de la estructura general de diseño de otras aves.
Para diseñar pingüinos se suele buscar el cambio de color (por supuesto), la posición erguida, y muchas veces, el volumen.
Este pingüino está inspirado, aunque dista del realismo, en los "pingüinos Adelaida".
Desde el punto de vista origamístico es un estudio del "volumen automático".
Ya he mencionado anteriormente cómo cada vez que puedo, intento incluír en los diseños los cambios de color automáticos. Le llamo así a las maniobras que logran otro propósito además de un cambio de color; dobleces que parecen ser hechos con otra intención y resultan en cambios de color que ocurren como por casualidad. (a pesar de todo el ojo de este pingüino NO es automático!)
Con el volumen se puede lograr un efecto similar: dobleces que aparentan estar allí tan sólo para dar forma, pero que una vez hechos dan además volumen al modelo.
Estos dobleces estarán presentes en el CP de la figura y forman parte de la estructura básica del modelo, diferenciándose así de los modelo que adquieren volumen mediante "terminaciones".
Esto implica evitar (nuevamente: dentro de lo posible) las maniobras de terminación al estilo de "redondear", "dar volumen", etc.
El segundo tema de este ave es la disposición de las capas. Las estructuras tridimensionales requieren de algo que las sujete en el lugar, así que la segunda parte de este diseño consistió es encontrar la mejor posición posible de las capas para permitir trancar en papel y evitar que se abriese.
Las modificaciones que hice a partir del modelo prototipo a la versión final que muestro aquí, son totalmente inidentificables en un CP (que no tenga dobleces asigandos) pues son tan sólo diferencias en la posición de las capas de papel.
En parte estas posiciones de las capas van a generar tensiones que mantengan partes del papel cerrado, y en parte serán para permitir el uso de "aletas y bolsillos", verdaderas trancas o cerrojos que mantienen el papel en el lugar.
Esta aproximación no es la única posible en el diseño de origami, o la que he practicado en otros momentos, pero por alguna razón me pareció que un pingüino, con su forma cómica, casi de caricatura, era un sujeto ideal para probar volumen y (casi todos los) cambios de color automáticos.

CALANDRIAS ESPAÑOLAS

2006-11-28T22:21:00.000-07:00

Calandrias dobladas y fotografiadas por Marti Bayer

La resolución de patrones de dobleces (CPs) se ha convertido en una actividad común del origamista avanzado.
Hoy en día existen innumerables modelos para los que no existe una secuencia de doblado sino tan sólo un CP, por lo que la capacidad de doblar un modelo a partir de este mapa de su estructura, deja de ser solamente un interesante pasatiempo para convertirse a veces en una necesidad. Esta es una posible secuencia de actividades de dificultad creciente relacionadas con los CPs:
1- Colapsar la base de un modelo a partir de un CP impreso en una hoja.
2- Analizar las principales referencias matemáticas del CP.
3- Encontrar una manera de marcar todas las líneas de un CP doblando un papel en blanco; sin utilizar una impresora.
4- A partir de fotos o de modelos doblados por el autor, encontrar las terminaciones que llevan al modelo completo.
5- Diseñar una secuencia linear de doblado para el modelo (o su base) que se corresponda exactamente con el CP.
Calandria doblada y fotografiada por Guillermo García Crespo

Un CP puede servir varios propósitos, entre otros, ser un recuerdo rápido para propio autor, sobre la estructura o proporciones de un modelo.
Pero hay algo especial en aquellos CPs que encierran dentro de sí el alma misma de la figura, no sólo su ingeniería o sus relaciones numéricas, sino al modelo en sí mismo.
Luego de trabajar con CPs por un tiempo nos acostumbramos a la idea, pero visto un poco desde fuera, es bastante increíble pensar en la cantidad de información que queda contenida en un CP.
Marti Bayer, español residente en Alemania, me mandó esta preciosa foto (primera foto) de dos Calandrias perfectamente dobladas por él a partir de un CP que publiqué en la entrada anterior de este blog.
Guillermo "Willie" García, español también y vasco me dejó esta foto (segunda foto) de otra perfecta interpretación de mi CP.
En cualquiera de los dos casos en un inmenso placer ver este diseño plegado con una maestría que evidentemente opaca mi propia forma de doblarlo!
Estos dos dobladores han impresionado en su capacidad para desentrañar el pájaro, no sólo en su estructura fría, sino en todo su esplendor a partir de un enredo de líneas.

Calandrias: Colapsado y foto por Guillermo García (sup) y Marti Bayer (inf).
Muchas gracias a ambos y a José Ignacio que aportó ideas.

DISEÑO DE AVES. II PARTE

2006-11-09T16:42:00.000-07:00

En la entrada anterior mencioné algunos métodos generales de diseño y sobretodo intenté dar ideas de cómo es el proceso real de llegar a una figura. Es difícil hablar sobre diseño en la teoría sin ejemplificar con un diseño en particular. A su vez, un diseño en particular no tiene porqué poder ser generalizado a otros modelos. Al fin, como decía un maestro de música que tuve, "no se puede enseñar a componer, pero de alguna manera tenemos que aprender"

El diseño que muestro aquí, una Calandria, fue hecho después de escribir la última entrada en este blog. Es en realidad una consecuencia de ese artículo por lo cual me parece interesante analizarla más en profundidad.
La Calandria tuvo un proceso de diseño muy parecido a varios otros modelos que he hecho. No me interesa en este caso tanto la técnica sino, repito, el proceso de diseño.

IDEAS BÁSICAS.
Este pájaro comenzó con una primera idea de usar la última forma de dividir una punta de papel que mostré (forma "m") en el artículo. No conocía ningún ejemplo de aves hechas usando ese método de división así que intentaría diseñar una. Junto con esta idea estaba la de usar esta técnica pero no como un injerto sino integrada a la punta. Los injertos son fabulosos para agregar dedos a aves hechas, pero unos dedos diseñados con el conjunto del pájaro está mucho más de acuerdo con lo que personalmente prefiero como modelo de origami.
La segunda idea fue que usar una base de pájaro. ¿Porqué? Varias buenas razones para esto:
- Al usar un método de división de puntas que apenas conozco, más vale usar una base muy conocida. La regla es que si algo es complicado hay que balancearlo con algo muy simple para que el conjunto sea manejable (tomado del decálogo del buen diseñador de origami....).
- Rediseñar modelos tradicionales con técnicas nuevas es un ejercicio muy agradable que muchas veces resulta en modelos fabulosos (por ejemplo la "Tree Frog" de Lang en una rana tradicional con dedos y ojos injertados)
- Si lo voy a usar como estudio o ejercicio de diseño, nada mejor que una base de pájaro para ir probando los diferentes métodos de poner dedos.
La tercera idea en la que se basa este diseño fue la de formar unas alas replegadas contra el cuerpo usando puntas sacadas del medio del papel. Exactamente el mismo método habia usado ya antes para doblar otro pajaro, por lo que tenía ya una técnica prevista para obtener esas puntas. Esto nos lleva ya definitivamente las distribución de las partes.

En este caso las ideas básicas son el punto de partida del diseño. Las tres ideas sumadas forman una imagen bastante vaga de los que suponemos que será el diseño.
Sumar estos dos CPs no parece demasiado complicado considerando que ya tienen algunas líneas en común.
Las zona que señalé en rojo es por ahora un misterio: no puedo anticipar intuitivamente qué dobleces se necesitan para hacer compatibles la base de pájaro con las aletas para las alas y la división de puntas. Lo que sí puedo anticipar es que esa será la "zona problema".

¿PUEDO PREDECIR LA FOMA DEL AVE A PARTIR DE LAS IDEAS BÁSICAS?
La base de pájaro ha sido suficien- temente utilizada precis- amente para diseñar aves, como para darme una idea bastante aproximada sobre el tipo de ave que puedo diseñar con estas ideas.
En todos los ejemplos de este dibujo, la base fue usada de la misma manera para distribuir las partes del modelo: dos puntas opuestas para las patas, una punta para la cabeza y la otra para la cola. Sin embargo las aves son todas bien diferentes y cada diseñador a puesto en juego varios trucos para lograr lo que quería.
Observemos cuidadosamente esas aves.
- En general si uso un injerto para colocar dedos, las patas se mantendrán del mismo largo.
- Si uso división de puntas para poner dedos, las patas quedarán más cortas.
- Cuanto más dedos y más largos sean, más se acortarán las patas.
- Las articulaciones en las patas las harán parecer más cortas.
- El tamaño de la cabeza es inversamente proporcional al tamaño del ave que queremos representar (hay muchas excepciones pero como regla general funciona impresionantemente bien)
- El problema de las patas cortas se puede resolver acortando el cuello para que todo parezca mejor proporcionado.

Veamos por ejemplo, cómo Anibal Voyer hace un Avestruz de patas largas y sin embargo usa una división de puntas.
¿Qué trucos están puestos en juego?
- El avestruz tiene 3 dedos, por lo tanto las patas no se acortaron tanto como en la Calandria.
- Los dedos no son demasiado largos: más papel para el largo de las patas.
- Tiene alas que para estar allí le "pidieron papel" al cuello, dejandolo más corto y por lo tanto mejor proporcionado con las patas.
La conclusión entonces talvez sea que el aspecto del diseño depende tanto de las grandes estrategias como de los pequeños trucos tácticos.

INEVITABLES PROBLEMAS
Diseñar no es más que resolver problemas.
En general cada diseño nos presenta con infinidad de pequeñas cuestiones para solucionar. Pero suelen aparecer dos o tres que son los grandes problemas, aquellos que si no resolvemos, nos quedamos sin diseño. A su vez, las soluciones, si son buenas, se pueden convertir en el alma de las figura: en "ese" movimiento sorprendente.
En el caso de este diseño tuve dos grandes problemas, ambos en la "zona problema" que ya estaba prevista. Uno de ellos era cómo dar vuelta las capas de papel del medio de las base para obtener las alas. Pero ese ya sabía como resolverlo pues había usado el recurso en un diseño anterior.
El segundo gran problema es el que muestro en estas láminas.
El método de división de puntas que utilicé suponía doblar una zona del papel que quedaba totalmente trancada a la altura del lomo.
Digamos que no hay suficiente papel libre como para afinar la pata.
Como ejemplo es excelente, pues se puede doblar literalmente toda la figura excepto la capa media de las patas. Es posible entonces separar casi totalmente el asunto del resto del pájaro para intentar resolverlo aisladamente.
Si alguien tiene la paciencia de colapsar el CP del dibujo 1, verá que resulta bastante frustrante estar tan cerca del modelo terminado, pero tener las patas con el doble del ancho que deberían.
En el dibujo muestro la forma de solución intuitiva que utilicé.
Tomando los dobleces para afinar la pata como "obligatorios", busqué un conjunto de líneas que permitieran colapsar la figura sobre un plano.
Lo que se hace es encontrar una solución que aprovecha mejor el papel. Con la misma cantidad de papel, se adelgaza la pata sin acortarla.
Las consecuencias son las clásicas que suceden cuando se "aprovecha mejor el papel": los ángulos que resultan, no sólo no son múltiplos de 22,5°, sino que tampoco surgen naturalmente del proceso de doblado.
Para respetar aquella regla de "si una parte es complicada, mantener el resto simple", mantuve todos los nodos sobre referencias que ya existían o que eran muy fáciles de obtener. Esto es una parte de lo que habitualmente se conoce como "doblabilidad", y debe ser un objetivo primario al buscar soluciones para un diseño.

ENTONCES...
Las ideas básicas casi siempre existen, de una forma u otra, en el proceso de diseño. Probablemente la mayor parte de la veces no funcionan en el papel de la misma manera como funcionaban en nuestra imaginación y los problemas que se presentan no tienen solución posible.
Una de las maneras de diseñar es tener muchas ideas básicas y probarlas todas, muchas fracasan, pero algunas siempre funcionan.
Es importantísimo intentar darse cuenta cual fue la idea básica de otro diseñador al crear un determinado modelo; se aprende tanto de los que otro hizo bien como de lo que no hizo.
Si algo me atrevo a decir que se aprende con la experiencia es a combinar ideas de manera que fracasen menos y un mayor número de ellas resulten en modelos bonitos.
El otro elemento es, por supuesto, la paciencia para resolver esos inevitables problemas y para encontrar soluciones cada vez mejores (sea lo que sea que eso signifique para cada uno)
Con el tiempo se aprende además a imaginar de antemano no sólo las ideas básicas, sino los problemas que nos traerán y las posibles maneras de resolverlos.

ALGUNOS COMENTARIOS MÁS SOBRE LA CALANDRIA
Cada vez que puedo, me gusta incluír en los modelos una serie de detalles de diseño que creo que los hacen más agradables de doblar y de ver.
Por ejemplo tuve la suerte de poder poner cambios de color "automáticos" en las patas y el pico de este pájaro. Llamo automáticos a aquellos cambios de color que ocurren como consecuencia de otras maniobras. Es decir que no se hace ningún doblez cuya única consecuencia sea un cambio de color.
Otro detalle al que suelo prestar atención es que el ave se pare por sí sola. En este caso, incluso sin usar la cola y en una pose que le queda muy natural.
Intento también eliminar los bordes doblados hacia adentro para dar forma. Las formas deberían, cada vez que sea posible, surgir directamente del proceso de doblado principal, y no de doblar esquinas hacia adentro. Por ejemplo en este modelo, las esquinas del pecho y la parte de arriba de la cabeza quedan moldeadas de esa manera porque los demás dobleces llevan al papel a quedar así.
Finalmente, el modelo queda casi totalmente incluído en el CP. Los pasos "de terminación" son muy pocos y apenas cambian la forma que se obtiene de colapsar el patrón de dobleces tal como lo presento aquí.
Aquí está el CP de la figura. A pesar de ser "tan sólo" una base de pájaro, la dibujé con los dobleces asigandos en valle o monte, pues creo que es un rompecabezas no tan fácil como pudiera parecer.
(Me sentiría muy honrado de recibir fotos de este CP resuelto e incluírlas en este espacio.)

APUNTES SOBRE DISEÑO DE AVES

2006-11-01T13:15:00.000-07:00

El diseño es sin duda la parte del origami que más me apasiona, mi otro tema favorito es la interpretación, pero hoy la dejo de lado por un momento. No tengo la oportunidad de hablar sobre diseño muy seguido. He leido varios artículos sobre el tema por Diego Quevedo en Pajarita.org (bases tradicionales y empaquetado), Albertino en passionorigami.com(diseños a partir de una base), Nick Bandoni en passionorigami.com(empaquetado de círculos y ríos), "Wolf" en Power Fold (muy interesante) , el libro "Origami Design Secrets de Robert Lang (lo más completo que existe sobre métodos y técnicas de diseño en origami) , y los que más me gustan: el artículo de Anibal Voyer (interesante raconto sobre el método de Meguro, antecesor del Treemaker; también menciona el legendario método del "desplegado imaginario") y la primera parte del libro de Peter Engel "Folding the Universe". De cada uno de ellos se aprende algo, incluso a veces, lo que NO hay que hacer...! Pero sobretodo de percibe que ninguno tiene La Verdad o el método absoluto y universal y que todo buen diseño en una combinación de un "método de enfrentarse al problema" sumado a varios métodos de diseño de origami, variablemente aplicados de acuerdo a cada autor.
De aquí que escribir sobre diseño tiene dos vertientes: la metódica enumeración de técnicas para lograr diferentes cosas o los puntos de vista totalmente personales que muchas veces no le sirven más que al autor. Creo que yo soy como los segundos. Así que no voy a describir demasiadas técnicas sistemáticas. Voy a escribir un poco sobre como me enfrento al problema de diseñar.

Las mil aves
En los últimos tiempos he diseñado varias aves diferentes, así que las voy a tomar de ejemplo.
Al diseñar aves se parte del mismo esquema básico. Primero el ave puede ser nadadora, caminadora o voladora. Las nadadoras no se supone que tengan patas ni alas abiertas. Las caminadoras no tendrán alas abiertas pero deben tener patas. Las voladoras deben tener alas abiertas pero a veces carecen de patas. Comenzando con el diseño más simple posible se puede gradualmente complicar nuestro pájaro hasta llegar al "pájaro completo". Como se ve, al pensar en un diseño, la enumeración está del lado del problema y no de la solución. Esta es una lista de los probables problemas que tendremos al diseñar un ave, dependiendo de qué elementos decidamos ponerle. En el origami, evidentemente trabajamos con la unidad (1 papel de 1 x1) por lo que la mayoría de las cosas que hagamos en una punta del papel van a repercutir en toda la hoja. Entonces una solución global como el Treemaker de Lang suena harto razonable. Podemos resolver todos nuestros problemas en un solo paso. ¡Ah! ¡Si fuese tan fácil no sería tan lindo! Resolviendo el largo y la distribución de las puntas que necesitamos seguramente no diseñaremos el ave de nuestros sueños. Elementos como el "dibujo" de las plumas, el ancho de las alas, el cambio de color en el pecho o la elegancia, no se resuelven (por ahora y por suerte) matemáticamente.

Aproximación por problemas
Entonces veamos la aproximación opuesta. Se puede pensar que cada parte del pájaro es un problema individual y podemos buscar una solución diferente para cada uno. Por ejemplo: resolver el problema de la distribución y largo de las puntas con un base de pájaro, y el problema del agregado de dedos y pico abierto con un injerto en "L". Luego aparecerán los sub-problemas. Entonces pensaremos en resolver el número de dedos doblando el injerto en 4 o 6 franjas iguales (3 o 4 dedos respectivamente) y el largo de los dedos por "ensayo y error razonable" probando diferentes anchos para el injerto, y así sucesivamente para cada nuevo desafío que se nos presente. Y no quiero mentirle a nadie: durante todo este proceso tendremos el problema principal, que es cómo hacer para que todas nuestras soluciones parciales convivan en un mismo modelo, no sólo sin molestarse mutuamente sino aparentando ser perfectas una para la otra. No todos tenemos el genio de Komatsu para crear modelos (diseñados en forma totalmente intuitiva) que parezcan haber sido hechos en un sólo gran paso y que cada doblez esté en función de cada uno de los demás dobleces. Pero a esta altura me atrevo a decir que con dedicación, tiempo, mucha autocrítica y muy poca autocomplacencia, se suele llegar a buenas soluciones para el problema de la globalidad del modelo.

En la realidad del diseño
Enfrentémonos, aunque sea de manera un poco teórica a estos posibles diseños. Voy a comentar brevemente sobre soluciones más o menos comunes que surgen ante cada parte que le agregamos al ave. Es muy fácil esquematizar un pájaro como el primero de la lámina usando unos pocos dobleces en un cuadrado (pero no es tan fácil que esto sea un buen modelo de origami...). A medida que aparecen la cola y las patas, se empieza a a ser necesario tomar algunas decisiones. Probablemente el tercer pájaro del dibujo se pueda hacer sin mucho problema usando una base de... ehh ... si, de pájaro (o alternativamente una de pez) . La foto muestra precisamente un pajarito "tipo 3" pero con alas separadas como en el "tipo 5".
A partir de la cuarta ave en mi esquema, tenemos que conocer alguna de las técnicas de diseño, más allá de las bases tradicionales. El pico abierto ya no se puede obtener a partir de una base tradicional, a no ser que se utilicen dos puntas completas de una base de rana para formar un pequeño piquito abierto. A mi gusto, más que un reverendo desperdicio, es sobretodo muy poco elegante. El diseñador debe conocer alguna técnica diferente para formar las dos mitades del pico (división de puntas, injerto, base específica con las aletas correspondientes, "box pleating", "Treemaker".... ) El caso siguiente (5) es una caminadora pero tiene esbozadas unas alas. En general se puede diseñar algo como eso simplemente usando la misma aleta de la cola con dobleces que la "separen" de las alas a ambos lados. Muchas pájaros, sin embargo, se diseñan con aletas propias para representar alas bien marcadas pero replegadadas contra el cuerpo. "Birds in Origami" de John Montroll es casi un catálogo de métodos para este tipo de pájaro (en general sin pico doble) En el dibujo 6 le puse plumas en las alas y la cola de nuestro supuesto diseño de origami. Nuevamente esto se ha hecho hasta el cansancio de forma más o menos forzada, haciendo pliegues escalonados muy finos. Muchas veces, por más finos que sean, no hay lugar en la aleta para estos dobleces. Esto está bien como adorno, pero mejor sería que las plumas tuvieran su lugar propio sin tener que robarle papel a nadie. Es decir que si quiero un pájaro como el del dibujo 6 debo prever papel para las plumas en la aleta correspondiente al ala. Existen múltiples ejemplos en el origami incluyendo este Song Bird de Lang o este Gorrión de mi autoría. No hace falta llegar a métodos complejos como el "injerto de texturas" (pattern grafting) ni mucho menos, se trata simplemente de crear un ala que a su vez permita crear plumas. Al hacer los pliegues que representarán plumas se debe considerar que al ala quedará más pequeña y, muy importante, que cambiará de forma y sobretodo de ángulo. Otro ejemplo que merecería estar en un libro de métodos generales es el "Golden Eagle" de Lang (Origami Zoo). El ala se hace intencionalmente "deforme" y sólo queda con la forma correcta al terminar de doblar las plumas. El primer impulso al intentar diseñar un ala con plumas siempre será que el ala quede con la posición, largo y forma correctos para luego hacerle plumas. Procedimiento incorrecto. La aleta de papel que formará el ala debe tener una forma, tamaño y posición tales, que el agregado de plumas lleve a la forma, largo y pose correctos.
Es decir: si se quieres poner plumas, estas deben formar parte del modelo y deben planearse con antelación.

La biblioteca digital
El pájaro número 7 en mi lámina tiene un agregado mayor. Por alguna razón la presencia o ausencia de dedos provoca un gran efecto en la psiquis de los origamistas.
Por tal razón le voy a dedicar una atención especial en este artículo.

Kamiya Satoshi en su libro (p 95) menciona el trabajar con una "library of parts", una biblioteca de partes.
Concientes de ello o no, todos tenemos nuestra pequeña colección de partes y pedazos de animales que se pueden aplicar llegado el caso al diseño de un modelo.
Seguramente son métodos que alguien inventó y aplicó antes. Métodos para hacer la crin de un caballo, el pico de un pájaro o las escamas de un pez. Cada parte típica, una pata, una pezuña o una oreja, ha sido "resuelta" infinidad de veces por varios diseñadores, cada uno a su manera. No hay ninguna razón para no aprovechar toda esta experiencia acumulada.
Sin desmedro de la posibilidad de inventar nuestra propia solución, muchas veces tenemos suerte si tan sólo logramos encontrar un uso interesante para un método existente.
Las soluciones para un problema determinado pueden ser muchas pero no son tan infinitas como se pudiera pensar. Si además descartamos las que son poco razonables, posibles pero impracticables o simplemente feas, nos quedaremos con menos aun.
De estas, al fin, sólo podremos elegir las que sean compatibles con el resto de las partes del modelo (cada una a su vez con su propia biblioteca)
En la realidad raramente tenemos más de dos formas practicables de agregar, por ejemplo, dedos a un pájaro.
Y dejamos las generalidades para ir a los espectos más técnicos de los dedos.

Aquí muestro 6 diferentes estilos de dedos. La primera es en realidad la ausencia de dedos. Se trata de la clásica pata terminada en punta del origami tradicional.

Luego tenemos el "falso dedo". Cuando la punta que forma la pata tiene el largo suficiente se le puede dar forma de manera de aparentar un pulgar hacia atrás. El efecto puede ser bastante convincente y ayuda a que el pájaro se pare mejor.

Dos dedos verdaderos no son tan comunmente usados. Se trata de una punta dividida en dos. La mitad de adelante representa tres dedos del ave y la mitad de atrás representa el pulgar. Conseguí un hermoso ejemplo en este pájaro gris de Juan Pedro Rubio (foto por cortesía de Felipe Moreno). La otra foto (en blanco) muestra un diseño mio de un pájaro muy similar. Aunque no lo sé con seguridad, sospecho que para este modelo tanto Juan Pedro como yo consultamos la misma "biblioteca de partes" y terminamos resolviendo el modelo de forma parecida.

Ahora llegamos a dos estilos de tres dedos. Hice una división simplemente estética pues las técnicas son exactamente las mismas. Kamiya utiliza en su "Yellow Bird" uno de los dedos como pulgar mientras que Lang en su "Dancing Crane" deja los tres dedos hacia adelante.

Finalmente los 4 dedos reglamentarios. Este es el número real para la mayoría de la aves. Y ya que lo mencioné para el caso anterior: algunas familias de aves (por ejemplo los psitáscidos, loros y similares) llevan dos dedos hacia atrás y dos hacia adelante.

He hecho una recolección de métodos para obtener dedos, la mayoría ya usados con éxito en modelos de aves. Una de las cosas más importantes sobre el diseño de dedos es si estos están integrados al modelo o si son injertados.
Un injerto permite que los dedos puedan ser agregados a un diseño que originalmente no los tenía, todo esto sin afectar necesariamente el largo de las patas originales.
Por el contrario si los dedos están integrados a la estructura del modelo, habrán sido hechos por alguno de los métodos de división de puntas, por lo tanto acortando drásticamente el largo de la aleta que usamos como pata.
En la práctica entonces, si vamos a diseñar un pájaro podemos usar cualquier método que sea compatible con el resto de las partes, pero si queremos agregar dedos a un pájaro existente entonces usaremos probablemente uno de los injertos.

Dedos radiales integrados. Este primer grupo es de dedos no injertados y hechos a partir ángulos de 22,5 como principal referencia.

a. Lang lo describe en "Origami Design Secrets". No escontré ningún ejemplo real del uso de esta división de puntas para patas de aves pero sin duda que puede ser aplicada y vale la pena considerarla en el catálogo. Los 4 dedos surgen del borde del papel quedando así de grosores similares. El concepto detrás de la división es el sacrificio de la punta de papel.
b. Usado en un Gorrión de mi autoría. Los dobleces que parten de los dedos se reúnen donde termina la pata resultando en un método muy directo de dividir la aleta: se la dobla en acordeón en todo su largo y luego se hace un dedo de cada escalón y uno del centro.
c. Otro método clásico de dividir puntas. A diferencia de "a", las referencias se toman paralelas a los bordes. Miyahima lo usa para los bigotes de su ratón y yo mismo lo apliqué en las patas de la Grulla Díaz-Naranjo.
d. La trisección de la punta, o "división perfecta": un clásico de todos los tiempos. Se le da mil usos, entre ellos, ponerle dedos a los pájaros. Problemas? Hecha como se muestra rinde tres dedos y no cuatro. Como ejemplo, Dino Andreozzi lo usa para un precioso Mirlo (diagrama disponible en Origami Chile )

Dedos "box pleating integrados.
Este segundo grupo tiene dos métodos basados en el "Box Pleating", ambos tomados de Lang.

e. Esta pata está hecha por "box pleating" paralelo a la diagonal. El triángulo sobrante cuando se llega a la punta del papel se usa para obtener tres dedos. Agregarle un cuarto dedo sin duda acortaría la pata de tal manera que la "Dancing Crane" (CP completo) no sería la misma.

f. Las patas del "Red Tailed Halk" de Lang están hechas con un acordeón paralelo a un borde. Si vemos el CP completo de este modelo resulta evidente que no existe un injerto, sino que las patas están integradas a la estructura de "box pleating" de todo el modelo.

Dedos por injertos diagonales Las siguientes son formas de obtener dedos haciendo un injerto en una diagonal del modelo. El método general a esta altura es un clásico. Pero veamos que una vez puesto el injerto en el lugar hay más de una forma de usarlo.

g. Este es el equivalente a la división de puntas vista en "a" pero hecha sobre un injerto. Como ejemplos tenemos el método usado en las patas delanteras de la "TreeFrog" (¡no es un ave!) por Lang y la Garza Real de Oscar Rojas (diagrama disponible en Origami Chile). Ambos muestran como agregar dedos a modelos tradicionales y utilizan este patrón para dividir el injerto en cuatro puntas.

h. Probablemente esta sea la forma más directa de usar un injerto para formar 4 dedos. Comparado con el método anterior, este da dedos un poco más largos pero acorta ligeramente el largo de la pata. Por otra parte los dedos surgen del medio, los bordes y la punta, siendo por lo tanto de espesores diferentes. Se pueden encontrar ejemplos en muchos modelos. Voy a mencional el "Night Hunter" de Lang y el Cardenal que muestro en la primera foto de esta entrada. Una versión con dedos injertado usando este método se puede ver en la última foto de la entrada.

i. Una pequeña base de pájaro se puede colocar en un injerto diagonal para obtener tres dedos. Observar que no es muy diferente al "d" y al "e". El triángulo para obtaner las tres puntas se acomoda a diferentes tipos de patas fácilmente. El hecho de usar un tipo de pata u otro dependerá de la posibilidad de armonizarlo con el resto del modelo.

Dedos por otros injertos. Este útimo grupo muestra en realidad tres tipos de injertos: en dos bordes (j), en un borde (k y l) y el menos común, en líneas internas diferentes a las diagonales (m).

j. Se trata de una paqueña base de pájaro insertada en el cruce de dos injertos. El ejemplo proviene de este "Song Bird" de Lang y merece estar en un "manual de procedimientos" sobre cómo usar la punta "atrapada" en el medio para sacar un cuarto dedo

k, l. Estos son los muy utilizados injertos laterales para obtener dedos. El injerto se dobla en acordeón en 4 o 6 escalones para obtener respectivamente 3 o 4 dedos. La eficiencia de uso del papel es bastante mala pero la facilidad de doblado y las posibilidades de usar el injerto en otra parte del modelo compensan el problema. Los ejemplos de su uso en modelos reales sobran. Los tres dedos del "Yellow Bird" de Kamiya que mencioné anteriormente está hecho como en "k" de la misma manera que las patas de mi Kiwi. La versión de 4 dedos "l" es exactamente igual, aunque puede ser más difícil de acomodar a un modelo porque requiere ser muy ancha para que los dedos sean suficientemente largos. Se debe encontrar un buen uso para la parte "sobrante" de la franja injertada.

m. Este es el tipo menos común de injerto. Las franjas corren a lo largo de líneas internas de la base. La idea es que el injerto no atravieza el modelo en línea recta como en "h" sobre una diagonal, sino que corre a lo largo de las líneas principales de la base para emerger en la punta adecuada y formar los dedos. Dependiendo de cómo esté hecho, este método puede no ser un injerto sino una división de puntas con la aleta adelgazada posteriormente. No encontré ningún ejemplo real del uso de esta técnica en aves de origami así que valdría la pena intentarlo pues la formación de los dedos resulta en una secuencia de doblado muy natural y una pata de pájaro elegante.

Las aves de origami no empiezan ni terminan en sus dedos; hay mucho que hacer además de dividir puntas para obtener una pata mejor. Las alas, las posiciones, los cambios de color, el cerramiento del pecho, la posibilidad de pararse por sí mismo, son sólo algunas de las cosas que hay que compatibilizar con los dedos. Para cada uno de estos temas podemos tener un inventario de la manera como otros diseñadores los han resuelto, además de intentar encontrar nuestra propia solución. Pero ninguna solución es buena hasta no haber sido probada con éxito en un modelo. Eso no significa inventar un modelo que gire exclusivamente alrededor de un método, sino más bien integrar la técnica naturalmente en la figura de manera que ni siquiera se note que está allí.

TRICKS AND TREATS

2006-10-14T10:22:00.001-06:00

Según una tradición norteamericana de orígenes no muy claros, el 31 de Octubre es "Halloween", día en que los niños salen por las casas de los vecinos gritando "trick or treat", que traducido bastante literalmente sería algo así como "truco o premio".
Traduciendo un poco más ampliamente:
"Trick": artilugio, pase mágico, malabar, artificio, ingenio, trampa, recurso, habilidad.
"Treat": placer, fiesta, festín, recompensa, delicia, disfrute, diversión, entretenimiento, regalo, sorpresa, satisfacción, placer.
Existen una limitada cantidad de modelos de origami que son precisamente así: artilugios deliciosos o artificios sorprendentes. Varias otras combinaciones de las palabras anteriores se prestan bien para la descripción.
Difícilmente el origami que se contenta simplemente con representar, será del tipo "ingenioso divertimento"
Seguramente, además de parecerse al sujeto representado, este origami tiene un proceso interesante para su doblado, aletas que coinciden de manera aparentemente mágica, mecanismos de cierre increíbles, movimientos inverosímiles o partes que se mueven como por voluntad propia.
El "Origami Pureland" de John Smith, tiene de por sí algo de mágico.
Agrega a las ya muchas limitaciones del origami, algunas más. El elemento principal, aunque no el único, es que solamente se hacen dobleces en monte o en valle. Para que un modelo pueda ser considerado "Pureland" no debe tener dobleces combinados, es decir, ningún reverso, pivote, hundido, etc, es admisible.
¿Cual es la razón de existir de este estilo tan particular?
Se podría argumentar que es más fácil doblar una figura que sólo tiene montes y valles y por lo tanto más personas podrán aprenderla.
Pero sabemos que cualquier persona puede, tarde o temprado, aprender a hacer un doblez reverso, así que el argumento no me convence.
El pureland tiene razones mucho más profundas, que tienen que ver con el placer de doblar, con el ingenio que debe ponerse en juego para hacer una secuencia sin usar todos los recursos a los que estamos tan acostumbrados.
Personalmente dudo que quiera quedarme por siempre diseñando pureland, pero es un estilo del que quisiera aprender para conservar algunas cosas de su esencia. Los recursos que se usan en este estilo son aplicables a cualquier figura y suelen aportar movimientos elegantes y secuencias bien pensadas.
El origami con magia, ese que destila calidad en cada pliegue, ha comenzado de a poco a perderse. Cada vez se diseña menos en forma intuitiva y más en forma mecánicamente metódica. Ahora importa menos el proceso y más el resultado, tanto es así que algunos jóvenes dobladores no reconocen siquiera la belleza de una buena secuencia de doblado.
Las divisiones de puntas, los injertos y la teoría del arbol ya no son los secretos del diseño de origami sino tan solo unos cuantos métodos de diseño (que más vale saber bien, claro).
Pero los verdaderos secretos son mucho más difíciles de desentrañar; talvez incluso tengan también un método, pero eso aún no lo sabemos. Por ahora parece haber que confiar en la intuición para saber cuando y como incluir en un modelo alguno de esos movimientos sorprendendes o aquellas formas infladas del origami tradicional.
La verdadera belleza de un modelo está en esa sensación de querer doblarlo de nuevo.
¿Que sentido tiene eso? No lo se, pero todos sabemos que sucede: el proceso de doblado resulta tan agradable que lo repetimos, como queriendo alcanzar una dosis más alta de placentero ejercicio doblatorio.
Me resulta imposible darme cuenta exactamente qué es lo que tienen esos modelos adictivos y que no tengan otros. Quiero destacar al Pureland como una forma de origami que por lo menos intenta poner condiciones que faciliten la aparición de modelos "de aquellos que da gusto doblar"
Talvez más adelante, observando con cuidado los diseños de los grandes Maestros, sea posible encontrar donde están esos dobleces y maniobras que nos hacen liberar las endorfinas.
(VERSION PDF en www. passionorigami.com Gracias NIcolas!)
Presentar este diagrama luego del artículo puede no ser una buena idea.
Demasiado fácilmente puedo dar a entender que este modelo es uno de esos de los que hablé antes.
No, no creo que lo sea.
Pero sí es un modelo Pureland que he intentado despojar de todo movimiento, pliegue o elemento superfluo.
También para los cambios de color puse especial cuidado en que no ocurriesen como resultado de maniobras localizadas, sino de bordes que quedan estratégicamente desencontrados para que se muestre el otro lado del papel. De esta forma los cambios de color quedan integrados a toda la secuencia de doblado.
Luego, para la forma de la calabaza cuidé de no utilizar esquinas torpemente dobladas hacia atrás para un redondeo final. Los ocho lado de la cabeza se forman "como al descuido" al mismo tiempo que se están doblando otras partes del modelo.
Finalmente la calabaza tranca sus capas sueltas con un mecanismo similar al cierre de la tapa de una caja, pero con tres lados.
Espero que sea disfrutable.

¿PORQUÉ DISFRUTAR, SI SE PUEDE SUFRIR?

2006-10-06T19:19:00.000-06:00

Por enésima vez, los otros días alguien me dijo "es simple pero de todas maneras es bastante bueno"
Yo mismo muchas veces digo cosas similares casi sin darme cuenta. No se de donde surge este concepto disparatado. Seguramente tiene que ver con la forma como fuimos educados, en la que únicamente las cosas que dan mucho trabajo, tienen valor.
Veamos por ejemplo a (nada menos que) Yoshizawa o Momotami, grandes maestros del origami sencillo, muchas veces de dos piezas, la mayoría con menos de 25 o 30 pasos.
Nada tiene que ver el nivel de complejidad de un modelo con su "calidad", pues nadie puede razonablemente dudar de la calidad en los modelos de estos dos Maestros.
Podría nombrar docenas de modelos que son tan complicados como olvidables. Pero, cuidado, que también existe gran cantidad de origami tan simple como malísimo.
No quiero aquí defender específicamente el origami simple (o de ningún grado de dificultad en particular) sino separarlo de la evaluación de su calidad.
Este mes me la he pasado diseñando aves. Tanto es así que ya varios amigos del origami me han dicho que terminaré como Hitchcock en "Los Pájaros"!
Hace dos semanas estaba inmerso en un complicadísimo pájaro llenos de dedos, alas y plumas, la semana pasada cambié a este pajarito de cola larga y estos buhos.
Particularmente el buho, es un modelo muy exigente en el diseño. La simplicidad aumenta la importancia de cada doblez, de cada maniobra, de cada parte visible. Cada cosa tiene un papel mucho más grande en el conjunto de un modelo como este, que el que tendría en una figura compleja.
No me puedo dar el lujo de poner un paso o una línea demás en un modelo con tan pocos elementos.
La decisión, por ejemplo, de hacer la cola del buho con 4 escalones y no con 6, es de importancia capital en el resultado.
En un pájaro supercomplejo, no importaría una pluma más o una menos.
Es por esto que diseñar estas figuras de pocos pasos, es tan difícil (o talvez más) que diseñar mi pájaro llenos de plumas y dedos.
Si tuviese que objetivar con algún criterio mensurable, diré que casi cualquier diseño me insume entre 6 y 8 pruebas para llegar a una versión presentable, sea de la complejidad que sea. Supongamos que el número de pruebas que se hacen para crear una figura se correlacione con la dificultad de crearla.
El diseño del buho, efectivamente llevó 6 pruebas; fue entonces tan complicado como cualquier otro diseño. Resulta interesante que generalmente en los diseños simples, voy retirando elementos en la medida que pasan las pruebas, mientras en los diseños complejos suele ocurrir exactamente los contrario: voy agregando elementos.
El interés en un modelo simple es, precisamente, hasta donde podemos llegar en su simplificación (y eso es muy complicado....) , mientras que un modelo complejo puede (y talvez debe) intentar ser lo más retorcidamente intrincado que se pueda para concitar interés.
No se mide entonces la calidad en función de la dificultad; pero tampoco voy a ser necio, un modelo super-complejo de vez en cuando siempre viene bien para atestiguar que todavía estamos al día. Además, diseñar con diversos grados de dificultad habla de la versatilidad del diseñador.
De una manera u otra siempre se busca los mismo: llegar al mejor diseño posible, sea un intrincado insecto o un animal minimalista.

DIAGRAMAS EN LA WEB

2006-10-02T16:28:00.000-06:00

Se me ocurrió juntar los enlaces para diagramas de mis modelos que están alojados en web actualmente (que yo sepa!) en un mismo lugar.
Los cinco diagramas están en bonito formato PDF, pero la calidad es variable pues son recolectados de varias épocas, desde los dibujos a mano hasta el Freehand, pasando por el gato diagramado en Power Point.
Gracias a Origami Chile, Gabriel Vong, y Nicolas Terry por la amabilidad de ocupar espacio con ellos.
Pinchar en cada foto para el correspondiente diagrama.

Ciervo, primera y segunda parte.

EL TRABAJO DE DISEÑAR UNA URRACA

2006-09-24T20:41:00.000-06:00

Todos los días al ir al trabajo me cruzo en el camino con cuatro o cinco Urracas blancas y negras. Aquí les dicen "Magpie" y en realidad a nadie le gustan demasiado.
Están por toda la ciudad en pequeños grupos con un aspecto on poco mafioso o por lo menos de pandilla pendenciera.
Más allá de eso, el animal es precioso.
Digo que es trabajoso este oficio, pues el paso siguiente a ver urracas todos los días es intentar diseñar una de papel, y con cada diseño que termino vuelvo a llegar a la misma conclusión: que difícil que es el origami!
Esta primera urraca es el trabajo del primer día de diseño. La base resulta en un pájaro correcto y tiene posibilidades para un cambio de color en el abdomen. En contrapartida no se presta bien para agregar dedos o pico abierto.
Camino al trabajo al día siguiente, paso por mi dosis diaria de Urraca y observo que la cola es tan larga como todo el resto del cuerpo.
Mi proyecto queda paralizado: esta base no solamente no permite alargar la cola, sino que la hace ancha y pesada.
Dos días después diseño la Urraca básica a partir de otra base completamente diferente. El único punto en común son las proporciones de una base de cometa.
El diseño es relativamente bueno o por lo menos cumplidor: cumple con todas las condiciones para ser una Urraca, pero no se siente como una urraca, por lo tanto no sirve.
Paso a agregarle dedos en un intento por mejorarla. Un injerto atravesado en la diagonal logra el objetivo luego de algunas pruebas para dar con el largo que quería, pero por alguna razón la Urraca ahora se ve aun peor. Las patas son muy cortas y sigue con aspecto de pájaro en general en vez de Urraca.
Vuelvo a mis fuentes, las Urracas camino al trabajo y creo que ahora lo tengo: lo que le falta a mi urraca es la actitud.
Llego finalmente al modelo teminado cambiando totalmente la pose y con un diseño más cuidadoso de la zona de cambio de color, las alas, la cabeza y el pico.
Ahora sí puedo mirar tranquilo las Urracas camino al trabajo.

EL APRENDIZAJE INEXORABLE

2006-09-01T22:05:00.000-06:00

Nunca me gustó demasiado el concepto de "versión" pues recuerda demasiado a los programas de computadora. No tengo nada en contra de los programas, al contrario, los uso mucho, pero pocas cosas hay más alejadas de una pieza de origami.
En ese sentido me siento un poco más identificado con los "opus" que usa Lang, pero estos difícilmente reflejan los diferentes grados de cambios y reformas que se le hacen a las figuras. Por otro lado no estoy muy seguro de la conveniencia de aferrarse tan pesadamente a una clasificación y catalogación estricta de nuestros propios trabajos.
Talvez hoy (que hace tanto que no escribo aquí) voy a llamar a este animal "el enésimo caballo", pues ya no llevo cuentas de las veces que he aplicado en él nuevas ideas, intentando acercarme un poco más a "el" caballo.

"
Y si esto fuera poco,
tengo mis cantos
que poco a poco
muelo y rehago
habitando el tiempo,
como le cuadra
a un hombre despierto.
"
Fragmento de "Pequeña serenata diurna"
de Silvio Rodriguez

JULIO 2006

2006-07-28T00:09:00.000-06:00

Luego de 10 meses de trabajo finalmente Origami Para Intérpretes está en la calle.
Han sido 10 meses largos, interesantes, diferentes. He estado sentado frente a la computadora por muchas horas dibujando, escribiendo, traduciendo y corrigiendo. Ahora hace más de un mes que terminé y talvez para llenar el espacio vacío que quedó, he escrito una pequeña historia de cada modelo del libro para que Nicolas la ponga en su página.
Pero desde que terminé el libro no había diseñado ni una sola figura.
Reconozco que tenía miedo de no poder diseñar más, que la energía volcada en los últimos tiempos fuese mi última reserva.
Parece que no, que todavía me tendrán que aguantar por un tiempo.
Cuatro pruebas y cuatro horas tardó este pájaro en dejar claro que era un modelo que valía la pena tomar en cuenta.
Si bien tiene puntos importantes en común con el "Song Bird" de Robert Lang, la idea básica no surge de allí sino del Kiwi y el Pájaro Secretario.
Sin embargo este pajarito, tiene un espíritu mucho más liviano, me lo imagino trinando en el balcón florecido de alguna dama antigua.
¿Tendrá acaso algo que ver con la liviandad de espíritu que se siente al terminar un proyecto que parecía demasiado grande para poder ser terminado alguna vez?
Valga por lo menos como celebración.

BUHO PARA NICOLAS

2006-07-02T18:34:00.000-06:00

Este Buho fue creado en al auto de Nicolas Terry viajando de Barcelona a La Rochelle. Está dedicado a Nicolas que conducía mientras yo cómodamente doblaba en el asiento del acompañante.
El modelo quedó bastante bien fijado en su estructura y proporciones desde el principio; tanto que pude enseñarlo en el último taller Convención francesa el Domingo de mañana.
No tengo un diagrama ni un CP todavía pero espero publicarlo en el libro de alguna convención cuando lo tenga.

MAS DEL GRIFO

2006-06-27T22:41:00.000-06:00

Una breve búsqueda de grifos da por resultados una gran variedad de animales (grifo, grifo, grifo, grifo), y ya que estaba, encontré una representación de un hippocampus que nunca había visto.
Este grifo que muestro en la foto tiene exactamente la misma estructura que el modelo de la entrada anterior, pero con un trabajo diferente de la cabeza basado en los dibujos que encontré en internet.
Efectivamente parece ser que los grifos tienen orejuelas de plumas a modo de orejas felinas, un poco como los buhos, y el pico de águila siempre se muestra desproporcionadamente grande.

Me resultó interesante ver cómo el trabajo sobre las patas, alas y cabeza causó que las plumas ya no dominaran completamente el modelo sino que se integraran al resto de la figura.
Esto seguramente responde a una regla no escrita (y linda de romper) que dice que todas las partes de un modelo deben tener aproximadamente el mismo nivel de detalle, de lo contrario la figura aparecerá como desarmada y sin terminar.
Otro detalle que vale mencionar es el aplomo.
Tan importante como la pata levantada, es la manera como el animal distribuye pesadamente la masa de su cuerpo sobre los restantes tres miembros, que amortiguan abriendo los dedos y angulando las articulaciones.

Siempre he pensado que los animales mitológicos eran más fáciles de diseñar por su alejamiento de la realidad. No siempre es verdad.
Cada elemento, tanto anatómico como de postura o de "espíritu" del animal se basa en un animal verdadero. El ejercicio entonces es la combinación anatómica, postural y "espiritual" de varios animales!
Cómo ser águila sin dejar de ser león o algo así... pero la respuuesta es obvia, hay que ser grifo.

UN GRIFO EMPLUMADO

2006-06-16T17:14:00.000-06:00

En La Rochelle conocí a Louis "Barlou" Eveillard.
Un Chico de 18 años con gran talento que se dio a conocer hace relativamente poco tiempo en el foro francés con las fotos de su espectacular Grifo emplumado.
Además de tener ideas de diseño muy claras, dobla bien y rápido lo que se le ponga delante.
Hace poco menos de una semana que tomé la brillante idea

Foto: cortesía de Lidia Coronado.
de Barlou de hacer un grifo con pecho emplumado y me puse a hacer uno yo mismo.
El primer objetivo era el pecho emplumado, por lo tanto comencé por allí y esta característica dominó todo el resto del modelo.
Como siempre que se injerta algo, otro objetivo es que ese papel sea aprovechado al máximo en otras partes del modelo, dentro de lo posible.
Luego quería un cuerpo de león bien reconocible, alas que no dejaran dudas en cuanto a su longitud, y patas delanteras de águila. Tuve finalmente que renunciar a esto último, pues saliendo las patas delanteras del medio del papel, aun siendo posible, el intento de poner dedos de pájaro no quedaba estéticamente bonito.
En algún momento luego de la tercera o cuarta prueba incluí en los objetivos, el hacer un pico abierto, pues no había manera de darle la expresión que quería, usando solamente un pequeño pico cerrado.
Resolví el problema del doble pico usando otro injerto, que de paso aportaba un poco más de longitud de las alas y desplazaba toda la base un poco hacia atrás, acortando el cuerpo sólo lo necesario para que quedara mejor proporcionado. Un golpe de suerte.

En primer lugar tuve que re-estudiar la idea de Lang del injerto de texturas (pattern grafting) encontrando algunas cosas que espero serán dignas de mencionar en algún momento.
Las escamas que utilicé no son las de Lang ni las de Ronald Ko sino la clásicas (y mucho más fáciles) de Derudas!
Esto fue otro elemento interesante del injerto de textura. Las escamas de Lang, con su aprovechamiento perfecto del papel, no aportaban suficiente papel para las alas. Así que aunque usé un poco más para las escamas, este se aprovecha para formar unas largas alas, convirtiendo este injerto en una mezcla de textura, con injerto propiamente dicho.

La base del grifo mismo, sin el injerto de textura, es sumamente simple. Tema que he mencionado en entradas anteriores, cuando un elemento del diseño es sumamente complejo, hay que simplificar al máximo otros elementos. De no hacerlo así el modelo será no sólo indoblable, sino indiseñable!
De más está decir que uno de los elementos más complejos de este diseño es el sujeto mismo, un león cruzado con águila. No es fácil engañar el ojo y lograr que el grifo sea creible. Creo que uno de los detalles que lo puede lograr es que las plumas, de alguna manera, toman el lugar de la melena del león, ayudando así a asumir este extraño híbrido

Desde la inspiración en la idea de Barlou hasta la consecución del grifo, pasando por el injerto de texturas y unas 14 o 15 pruebas de diseño, este grifo ha sido un diseño totalmente consciente y guiado por objetivos. El trabajo de ingeniería sobre las base y sobretodo la resolución de problemas, uno por uno, hasta llegar al diseño que se quiere, es para mi uno de los más grandes placeres del diseño de origami.

Convención francesa en La Rochelle

2006-06-05T22:52:00.000-06:00

Nicolas instalando sus pinguinos sobre el iceberg.

Carlos en acción con otro truco de magia. Nicolas mira incrédulo.

Lidia ha tomado el taller de Carlos por asalto!

Sebastian Curvers, Nicolas y Michel miran corretear las ratas sobre la mesa.

El arte del doblado de Alfredo Perez Jimenez.

Los modelos del Maestro Sirgo, adelanto de su libro.

Lidia con todos los bichos en la cabeza!

Carlos "Halle" Gonzalez Santamaría origamista, mago y gran persona.

Carlos trajo a algunos amigos también.

Claudine Pisasale la Grande.
Un moldelo de grullas al estilo Sembazuru. Lidia mira atenta.

El buen gusto y talento de Aurale Duda. Da que hablar el chico.

Doblando algo con Mark Robinson. Tan buen doblador como jugador de futbolito.

REUNION EN BARCELONA

2006-05-31T18:15:00.000-06:00

El Origami y Curvigami de Saadya Sternberg antes de salir a escena.
Notar que debajo del busto hay un libro sobre caballos que Saadya ha usado para estudiar las poses equinas.
Sobre el escritorio se ve además un tubo de cola en spray para fabricar al papel de doble capa.

Con Raquel y Manuel Arrollo frente a una ronda de Pandas (foto...?)

Con Marc Vigo que le sonríe a una ronda de Unicornios rampantes , atrás José Ignacio Royo calcula la curvatura del lente de la cámara. (foto...?)

Monos de Sadya Sternberg.
Alguien le pidió que lo enseñara, pero como no recordaba como doblarlo, desdobló un mono que había hecho hacía 15 años!
Valió la pena, todo el mundo lo dobló y allí están colgados de la cola.

10 000

2006-04-26T22:34:00.000-06:00

Hace 10 000 entradas que comencé a escribir este blog con la idea que sería un alivio de la presión que sentía.
Crear siempre angustia. Tuve un maestro de música que decía que la composición era una mujer muy fea pero de la que uno estaba perdidamente enamorado. Por ponerlo como un oximoron, es un placer que hace sufrir.
Por supuesto que "Dosis Diaria" demasiado rápido se convirtió en otra instancia creativa y por lo tanto, lejos de ser el descanso que esperaba, fue otra dulzura amarga.
A veces fue más liviana, a veces demasiado pesada. Muchas veces me sentí escribiendo para mi mismo y las mismas veces me equivoqué. Siempre los estoicos lectores supieron sufrir los textos, frecuentemente áridos, de principio a fin.
Pero Dosis Diaria no es la misma que cuando comenzó. El tema primordial que sobrevolaba cada entrada era la composición y el análisis del origami.
Pero algo se me cruzó en el camino por lo que tuve que restarle prioridad a este espacio además de orientar los artículos hacia temas que me ocupaban en ese momento.
Por ejemplo, hoy mientras escribo esto, debería en realidad seguir escribiendo el último capítulo de Origami para Intérpretes, el proyectado libro que finalmente parece estar llegando a su fin.
Y no puedo escribir ni una frase del libro sin pensar "esto pertenece a Dosis...", como que le estuviera quitando algo a un amigo.
Pero también me ha permitido tomar conciencia que el blog es efímero, que puedo un día poner algo de humor y al día siguiente algo serio y al otro no poner nada.

Por otra parte en este libro estoy volcando ideas que me han perseguido hace tiempo. Intento (inutilmente) responder a la pregunta de como hacer para doblar un modelo en todo su esplendor, pues soy bien conciente que eso no sale de un diagrama. Intento además dar al que dobla, recursos, herramientas, que no sé si le servirán a alguno pero honestamente han sido exactamente las que me han servido a mi y por cierto que me siguen sirviendo, las mismas una y otra vez.
El problema talvez, es que es muy fácil escribir ideas sueltas o hacer un inventario de "tips" o un decálogo del buen doblador. Pero no podría escribir algo así sin darle un hilo conductor, una coherencia.
Encontrar una esctructura sobre la cual colocar un grupo de ideas, a veces fragmentarias, en forma secuencial y jerarquizada, ha sido la tarea más complicada. Me ha consumido la mayor parte del tiempo que tenía para escribir.
Finalmente creo que encontré la punta de la madeja y todo se resume a dos cosas: el intérprete y el papel.
Porque todos antes de creadores o diseñadores somos intérpretes. Porque para ser un buen compositor, antes hay que saber interpretar. Y mucho se ha escrito sobre creación pero nadie cuenta demasiado como hace para doblar.
Con toda sinceridad no creo que todo el impresionante material que existe sobre diseño haya aumentado significativamente el número de creadores de origami que habitan el mundo. Simplemente puede haber mejorado las técnicas de los creadores existentes.
Tuve entonces que olvidarme de todas esas ideas que también tenía sobre composición (y que más de una vez he llevado a "Dosis...") y concentrarme en la práctica misma del doblado. La escencia del arte del origami. Intentar encontrar donde están las claves, las cosas más simples, los pequeños fragmentos que componen todo el resto. Las dos o tres reglas que lo explican todo.
No las encontré...
Tuve que poner mucho más que dos o tres y por cierto que no pude explicarlo todo. Solo unas poquitas cosas.
Luego está el papel. Pero no el papel por sí mismo, sino el papel en esa relación conflictuada con el que dobla. Si todo esto ha de servir para algo que sea para mejorar esa relación tan delicada en la que más que dominarlo hay que convencerlo con buenos argumentos, pero hay que saber que hay cosas que se negará a hacer porque hay principios que son inviolables. Al fin y al cabo el Origami ES el arte de las limitaciones...
En todo caso espero que sea un texto que dé mucho más formación que información y que vaya por igual a la cabeza, al corazón y a las manos.
Por una razón de coherencia mínima casi todo lo que menciono como técnica, herramienta o recurso, es aplicable para doblar por lo menos uno de los modelos que aparecerán diagramados, pero también digo (por razones de sinceridad mínima) que espero que estas cosas se puedan aplicar también a muchos modelos más, fuera de este libro.
De alguna manera Dosis ha sido un campo de pruebas para "Origami para Intérpretes". Incluso siendo la temática diferente y el ámbito muy distinto, ofició de preámbulo, de prodromo, de antecedente, y sé bien a quienes debo la oportunidad.

Nada de lo que diga es suficiente para mi, pero algo hay que decir, así que desde Dosis Diaria, 10 000 gracias a todos.

ORIGAMI DARWINIANO: estudio de un caso

2006-04-13T00:59:00.000-06:00

Hoy presento la la evolución de una especie, la Ardilla romanica, basado en la reconstrucción de el aspecto de estos animales a partir de evidencia fósil.
De rigor debo mencionar a otros miembros de la especie como la Ardilla komatsúnica, que recientemente causaron desastre en el laboratorio de una colega, o la inimitable Ardilla lafossica ,la más evolucionada en su especie.

He aquí un ejemplar de PROTOARDILLA, una especie primitiva de donde surgen todas las demás. Este animal apenas se asemejaba lejanamente a lo que hoy conocemos como ardilla. Se piensa que su cola podía ser utilizada como paraguas para protegerse de las precipitaciones pluviales razón por las que nunca se humedeció. Sus cortas (diría que casi patéticas) patas sumadas a su rechoncho cuerpo apenas le permitían caminar para buscar refugio de la lluvia.

Ardilla naranjusfóbicus, llamada así en honor a su descubridor, reconocido paleontólogo Danny Orangetree. Basado en la evidencia ósea, el mencionado científico diagnosticó que la especie debía su extinción a los politraumatismos tras haber sido arrollada por un automotor. Aún así, nótese el comienzo del proceso de alargamiento del miembro posterior. Como se aprecia, su cola ya no la salvó de la húmedad.

La ardilla cuteformis prácticamente no se diferencia de su predecesora más que por su pelaje más fino y su aspecto menos belicoso. Menos notorio, pero importante en su evolución es la capacidad de erguirse sobre sus patas traseras, o dicho de otra manera, de levantar el trasero.

Un verdadero eslabón perdido, el gran salto evolutivo. En la llamada simplemente "ardilla verde" aparecen por primera vez para la especie los miembros posteriores definitivamente elongados. A small step for a squirrel, but a giant leap por squirrelkind. Este ejemplar ha sido reconstruído haciendo alarde de su capacidad de hacer equilibrio sobre sus patas.

Cuando todo parece ir muy bien para esta variedad y se comienza a establecer como ardilla definitiva y predominante, se extingue tristemente debido el sobrepeso causado por la permanente ingestión de alimento (nótese la posición casi fija de las manos llevadas a la boca)

El descendiente de la ardilla verde vuelve a presentar una silueta diet. Se piensa que la desaparición del comportamiento alimentario obsesivo se debió a la extracción de dos apéndices, antes encalvados en la cavidad craneana, para formar orejas más evolucionadas.

Esta es considerada la antecesora más directa de la ardilla moderna. La cola es la transformación más notoria pero además está época está marcada por un progresivo adelgazamiento que amenaza nuevamente con la extinción.

Probablemente este es el ejemplar fósil más interesante pues reconocidos científicos del ramo dudan si clasificarla dentro de la misma especie. Se teoriza que pueda haberse hibridado con hurones y pandas.

Ardilla moderna. Siempre resta la pregunta de cómo se verá en el futuro y si lo que hoy vemos como una perfecta ardilla, mañana nos parezca una mera aberración de la naturaleza.

SESO, MENTIRAS Y DIAGRAMAS

2006-04-05T23:58:00.000-06:00

Diagramar es mucho más complejo de lo que parece. Sabemos que es tedioso, que es una de las cosas que los diseñadores más odian porque insume una enorme cantidad de tiempo y que es muy fácil cometer errores.
Pero eso es solamente la punta de iceberg.
Los modelos no tiene una sola forma de llegar a ellos. Hace poco alguien contaba que existen más de 20 formas ¡de hacer una base de pájaro!
Entonces el primer paso para diagramar es saber qué forma vamos a utilizar para llegar a nuestro modelo. Este es uno de los pasos más importantes (si no EL más importante) del diagramado y hay modelos que valen sólo por sus increíbles secuencias de doblado. Decisiones como "premarcar" o "doblar llegado el momento" o cual doblez hacer antes que otro son clave para un doblado armónico. Las razones para tomar un camino u otro son muy variadas.
La claridad en el diagrama es de primera importancia, por lo tanto a veces se sacrifican buenas secuencias de doblado porque no resultan muy claras o son muy difíciles de dibujar. Desgraciadamente a veces el espacio también es limitante y se deben amontonar varios pasos en un dibujo para aprovechar una página al máximo.
Los diagramas nunca muestran exactamente lo que pasa con el papel.
Observémonos a nosotros mismos mientras doblamos, volteando y rotando el papel todo el tiempo mientras el diagrama muestra un triste cuadrado estático.
Pero es gracias a ese triste y estático cuadrado que podemos mantener las referencias, en primer lugar de dónde es "arriba" y "abajo".
Pensemos como colocamos el papel para un maniobra tan sencilla como " doblar una esquina hacia el centro" : colocamos la esquina abajo y la doblamos de abajo hacia arriba.
Un diagrama va a mostrar la esquina donde sea que esté en ese momento pues rotar el papel insumiría un paso más, no valdría la pena y confundiría por la cantidad de signos de "rotar" y "dar vuelta" que aparecerían.
Entonces por ejemplo, cuando hay que hacer muchas líneas de premarcado, el diagramador debe planificar de antemano cuales deben ser en monte y cuales en valle, de esa manera tendrá que voltear el papel menos veces.
El problema parece ser uno práctico y que se resuelve poniendo un poco de seso en ello.
Pero por detrás aparece la gran nube negra del diagrama: la cantidad de información que se pierde.
De las 20 formas de doblar una base de pájaro, en el momento que queda diagramada !se van a haber perdido 19!
No tiene demasiada importancia para la base de pájaro (especialmente si hay gente que se dedica a coleccionar y catalogar formas de doblarla) pero para cualquier figura existirá sólo una manera de doblarla: la del diagrama... ¿donde quedaron todas las otras?
En ese sentido la trasmisión oral aporta mucho más pues no será el rígido camino del diagrama el que se ha de tomar sino la enriquecedora senda de la interacción en la que una secuencia de doblado recibe aportes permanentes de cada doblador. Todos hemos escuchado alguna vez "a mi me queda más cómodo doblarlo de esta otra forma"
Pero esa no es la única información que se pierde en un diagrama. Hace poco Saadya Sternberg me argumentaba con mucha razón sobre esto. En el momento que establecemos una referencia clara para un doblez estamos perdiendo todas las demás posiciones para ese doblez que también hubieran "funcionado" para esa figura. Es verdaderamente desolador.
Hace poco terminé de diagramar por segunda vez mi Fox Terrier y tuve que dar puntos exactos de referencia para indicar especialmente el tamaño y posición de la cabeza.
Los Terriers son un grupo de perros bastante parecidos entre sí. Pero los hay más grandes y más pequeños. Antes de establecer la referencia doblé durante años esa figura convirtiéndola alternativamente en un Fox o un Iredale Terrier con tal sólo variar un poco el tamaño de la cabeza. Esa información queda perdida.
No solamante estableciendo referencias se pierde información. Muchas veces es necesario simplificar determinados dobleces. Por ejemplo se puede convertir una curva en una serie de rectas cortas. Esta es una de las maneras más claras en que se "miente" en un diagrama y un claro ejemplo de, como diría Sabina, una mentira piadosa.
A veces es la única forma de diagramar, o mejor dicho, la única forma hasta ahora conocida.
¿Como salimos de este embrollo ahora?¿ Tendremos que dejar de diagramar?
No, en absoluto. Hay una forma, la única posible y además, la mejor. Hay que seguir perdiéndole el respeto a esos diagramas, hay que seguir variando, probando, cambiando y equivocándose.
Hay que curvar si nos dicen que doblemos recto y doblar en monte si nos dicen valle. Pensemos que la mayoría de las veces no estamos ni siquiera haciendo nada nuevo, estamos rescatando todo lo que se perdió en el diagrama.

トラトラトラ

2006-03-27T23:11:00.000-07:00

Fue en los primeros días del 2004 que diseñé esta cabeza de tigre.
No apliqué directamente las técnicas que Joisel utiliza en sus máscaras pero sin duda que los conceptos estuvieron presentes.
Al igual que en las máscaras, el doblado es simple y el resultado difícil de creer.
Recuerdo hacer unas seis o siete pruebas antes de disponerme a doblar un prototipo con el material adecuado, pero sin tener idea exacta de proporciones y referencias.
El material es el mismo que había usado hacía un tiempo para emular las caras de Joisel: papel de aluminio pegado sobre papel de embalaje.
La idea es la misma que en el sándwich seda-metal con la enorme diferencia del grosor del papel.
El grueso y rústico papel de embalaje brinda la consistencia mientras el metalizado mantiene los dobleces en su sitio.
Teniendo en cuenta que fue hecho a ciegas, el prototipo quedó muy bien, tan bien que nunca más conseguí imitar esas proprciones.
Ese fue también el prototipo que exhibí en Barcelona y el que tengo todavía en mi casa en Montevideo.
Un tiempo después de diseñarla doblé un segundo ejemplar para enviar a una exposición en Colombia y la siguiente vez que recuerdo haberla doblado fue en los jardines del Marti Codolar con un papel metalizado rojo para enseñársela a José Ignacio Royo.
Esta semana, casi un año después, la he doblado de nuevo, y ahora la puedo repetir. Y recién ahora puedo decir que la incorporo al repertorio.

Unicornio II

2006-03-24T13:19:00.000-07:00

Cada vez con menos tiempo, hoy prácticamente me limitaré a mostrar esta foto y hacer notar como la elección del tipo de papel afecta a un modelo.
El Unicornio de la entrada anterior está doblado con "papel banana" que compré en Barcelona al mismísimo Javi, encargado de la tienda de la AEP (algún día tendré que mostrar una foto de su "lincesfinge" que tengo adornando un estante).

El "papel banana" resultó ser... demasiado fino para este modelo...
Si, claro que si! Un papel puede ser demasiado fino. Hay muchos modelos que lucen mejor y mucho mejor con papeles más gruesos, de más cuerpo, con más consistencia.
La elección en este caso fue un papel japonés para pintura Sumi. Este papel se presta muy mal para doblar pues se rasga fácilmente, así que tomé prestada la técnica de Manuel Sirgo, y lo pintá con cola vinílica dejándolo secar luego extendido sobre un vidrio para que no se pegue.
Lo doblé estando casi seco, pero el efecto es el de doblado en húmedo.
Creo que es el papel que se acerca al ideal para este modelo, pero claro que no los puedo probar todos....

UNICORNIO

2006-03-20T14:15:00.000-07:00

Ayer estuve explorando las posibilidades de movimiento que tiene mi Unicornio.
El animal encabritado resulta, por lo menos, más llamativo que en su pose anterior.

Los cambios de pose no suelen ser fáciles pues un doblez más o menos en una pata puede acortarla o alargarla tanto que el animal pierda completmente sus proporciones armónicas.
Esto es desde el punto de vista medible y objetivo.

Más sutiles resultan las ilusiones ópticas que vienen con los cambios de posición y que hay que tomar tan en cuenta como los griegos con las columnas de sus fachadas.
En última instancia a quien le importa si en realidad una parte termina desproporcionada siempre que se vea bien.

Sólo por curiosidad removí el cuerno de este unicornio digitalmente: mi impresión es que para ser un caballo, tiene la cabeza demasiado pequeña, detalle del que no me había percatado en la "versión" con cuerno.
Así que aparentemente el cuerno "hace crecer" la cabeza visualmente, o por lo menos disimula el tamaño.
También confirmo la impresión que para diseñar un unicornio no basta con pegarle un cuerno a un caballo de la misma manera que un pegaso es más que un caballo con alas.

SAADYA STERNBERG comenta sobre "SIMPLE"

2006-03-17T14:40:00.000-07:00

Sé que Saadya no requiere presentación alguna.
Cuando en Mayo pasado en Barcelona vi a un hombre con cara de cansado, cabello desordenado y barba no me llamá nada la atención. Esto fue hasta que miré las piezas hechas con papel de embalaje y un estilo casi, casi arrugado que estaba poniendo encima de una de las mesas de exhibición.
"Tu eres Saadya", no le pregunté: se lo aseguré.

Hoy revisando una entrada anterior de este blog, encuentro, más que un comentario, un interesantísimo y largo aporte a mi entrada "Simple".
De apuro lo traduje y aquí lo presento.
Realmente me gustaría tener más tiempo para además comentar sobre el comentario porque es.... simplemente brillante.
Aquí va:

"Hola Roman!
Es extraño estar hablando contigo de esta manera pero agradezco la oportunidad.
Quería aportar a tu bastante útil lista de ideas sobre la complejidad.

Hay un punto más que debe ser tocado, incluso si no sirve para decidir si un modelo en particular es “complejo” o “simple”

Esta es la idea de lo que es “conceptualmente avanzado” – lo que a veces se confunde con “complejo”.
Lo conceptualmente avanzado puede ser (ojalá!) bastante fácil de doblar y por lo tanto “simple”.

Pero no es fácil que a uno se le ocurra algo así dada la historia de doblado de papel que uno tiene y también la historia de las corrientes de moda en el mundo.

Para usar un ejemplo personal estúpido: aquí muestro un caballo con jinete que hice tempranamente en mi carrera (pienso que en 1989):
http://www.saadya.net/misc/Racehorse.jpg

Proviene casi de una base tradicional: de hecho de un híbrido entre una base de pájaro y una de rana.
Las patas salen de las cuatro esquinas, cabeza y cola de puntas en los bordes y el jinete es la punta central.
El modelo tiene un bonito movimiento y con alrededor de 35 pasos (para el modelo “básico”; bastante moldeado ayuda a que se vea realmente bien) es de complejidad “moderada” en los términos de hoy en día.
Y aquí muestro la variante de otro caballo, uno que tu ya has visto antes

http://www.saadya.net/misc/Horses.jpg

Ahora, este Segundo caballo, concebido por primera
vez en 1993, pero actualizado (lomo cerrado, etc) recientemente, tiene menos aletas o puntas que el caballo con jinete y su forma inicial (la de lomo abierto) lleva muchos menos pasos para ser doblada. Finalmente es mucho más eficiente en el uso del papel (el caballo es más grande en relación con el cuadrado. Entonces en varios de los aspectos que tu enumeras es más “simple” que su predecesor.
Sin embargo hacerlo requirió abandonar las bases tradicionales y muchas otras cosas que me aprisionaban en ese entonces. La mayoría de los ángulos principales son de 30 grados, no de 22.5. A pesar que parte de un cuadrado, en cierto sentido la geometría del cuadrado ha sido tomada arbitrariamente.
Hay algunas maniobras que son “avanzadas” incluso para los estándares de hoy en día. Entonces lo que tenemos es un modelo para el que el “pensamiento” (“concepto”) talvez sea más “complejo” o haya requerido de muchas reformulaciones; y el resultado final no es complejo para el que dobla, precisamente por esa misma razón.
Un ejemplo aún mejor es el trabajo del desaparecido, gran David Huffman
(http://www.sgi.com/misc/grafica/huffman ( el enlace puede estar inactivo)
y http://www.skypape.com/huffman.htm
Si lees el texto escrito luego de su muerte, verás palabras como “altamente complejo”, “matemático”, etc. De hecho, por lo menos en términos de dobleces, o variedad de dobleces, nada puede estar más alejado de la verdad. Se pueden copiar esas formas muy fácilmente, cada línea está visible. Y si las líneas se varían un poco en general no importa, el resultado es igual de bueno.
Y todo el trabajo se hace sobre un sólo espesor (una sola capa). Una vez que se trazan las líneas (o curvas) es sólo cuestión de afirmar los dobleces hasta que se obtiene la forma deseada.
Entonces ¿qué exactamente es lo complejo aquí?
Aparentemente una sola cosa: el diseñador ha roto el molde.
Y puede obtener un gran efecto con muy poco doblado; hay una cualidad mágica en esto.
Además de llamar a esto “complejo”, uno escucha, de personas que deberían saber bien lo que dicen, que la obra “obedece a fórmulas matemáticas” ( sucede que Huffman era matemático) o “existe en un perfecto estado de tensión ”.
Nada de esto, por supuesto, tiene otro sentido que el de una manera de expresar esa misma impresion de asombro que la palabra “complejo” expresa: otra forma de decirlo es, de hecho, simplemente brillante.
Saadya"

FOTO DE GRUPO

2006-03-15T15:05:00.000-07:00

Las reuniones merecen fotos de grupo. Porque ciertas sumas de unidades tienen resultados no matemáticos y a veces 2 + 2 es más que 4.
Así se siente al juntar muchos modelos en una sóla publicación, lo mismo que juntarse a plegar con mucha gente.
Hace años que tengo la idea en la cabeza de publicar un libro de Origami. Este año por quien sabe qué conjunción de los planetas y avatares del destino, se ha dado la oportunidad perfecta. Tanto es así que siento que si no sale ahora no sale más.
De cierta manera el diseñar modelos se puede convertir en un ejercicio neurótico de acumulación de diagramas. En algún momento toda esa acumulación se puede convertir en publicación.
Es complicado llegar a ese delicado equilibrio de publicar en forma constante en revistas y Convenciones y a su vez reservar material para juntar en un libro.
Para que un libro tenga sentido tiene que ser, como decía al principio, algo más que la suma de sus modelos. El grupo tiene que tener una coherencia, un hilo conductor, de la misma forma que "Sargent Pepper s Lonely Hearts Club Band" es mucho más que un grupo de canciones.
En los últimos meses y a medida que me acerco a los diez años de origami, me he sentido como cerrando un ciclo. Tiene lógica tomar entonces, una instantánea de ese grupo de modelos que he juntado y convertirlos en libro.
No se todavía exactamente qué animales entrarán al índice, pero sí sé que serán animales.

Los modelos que vendrán en el futuro no tienen necesariamente porqué pertenecer a este grupo, el de los primeros diez años, porque las cosas cambian y los estilos evolucionan.

También, como parte lógica de todo proceso creativo, he pensado mucho en estos años, y algunas de esas cosas pensadas han pasado a formar parte de algún modelo, otras han sido sólo pensamientos que me han ayudado a doblar mejor o a expresar lo que quería decir.
Esto quiero también que quede registrado en este libro, simplemente para que el que dobla tenga a su disposición varias dimensiones de cada modelo y la real posibilidad de plegarlo más allá de los dobleces fríos.

El costo de escribir y dibujar un libro es alto y uno de los primeros en pagarlo ha sido este espacio, la "Dosis Diaria", desde el momento que el tiempo se me ha hecho muy corto.
Una forma que se me ha ocurrido para mantener este ámbito vivo es comentar desde aquí algunas cosas de este proceso tan fascinante como cansador de escribir y publicar un libro de origami. Una foto de grupo de los últimos 10 años.

Carlos Pomarino comenta sobre HIPERPURISMO

2006-03-04T23:27:00.000-07:00

A veces en el apuro por terminar una entrada del Blog y publicarla se cuelan no sólo errores de ortografía sino enormes descuidos e incoherencias.
Carlos Pomarino, de Lima Perú me envió estos comentarios, muy acertados por cierto, donde entre otras cosas, calcula la edad de Engel al momento de la edición del libro de Kasahara Creative Origami...
Carlos amablemente me ha dado permiso para citar este fragmento aquí :

"... permiteme discrepar en algo, en "Hiperpurismo", mencionas la teoría de Kasahara sobre las puntas para hacer las patas, cabeza y cola, y la necesidad de unir papeles, agregando que ya existían autores como Yoshizawa y Engel. Esto no es exacto, el libro de Kasahara se publicó por primera vez en 1967, cuando Engel solo tenia 8 años. Y respecto a Yoshizawa es un poco incierto decir en que epoca se situa cada una de las figuras que creó. Tengo algunos libros de Yoshizawa y el aun elabora figuras uniendo 2 papeles, similares a las que hacía Isao Honda. El libro Creative Origami ha tenido muchas reediciones, pero al parecer no se ha modernizado."

Incluyo aquí también un fragmento de mi respuesta a Carlos:

"..Mucho de lo que escribo no son más que opiniones, y por lo tanto imagino que mucha gente tendrá que discrepar.
Por otro lado el dato que me dices no es sobre una opinión sino un error de mi parte.
Tengo una edición de "Papiroflexia Creativa de Kasahara del 80 y pico (no lo tengo ahora a mano para mirar exactamente) y la verdad es que no me ocupé en averiguar la fecha de la primera edici´n del libro (que efectivamente es la que tu dices)
Por otro lado el libro de Engel es de 1989 así que me parecieron fechas comparables con los trabajos de Kasahara, estaba equivocado.
Releyendo lo que escribí parece que mi comentario fuese despreciativo con Kasahara.
Nada más alejado de mi opinión de Kasahara a quien admiro muchísimo! Por suerte me has mandado el mensaje para poder enmendar mi error.
En relación con Yoshisawa, si , también te doy toda la razón, es difícil fechar sus trabajos. Pero esta vez me baso en los comentarios de Lang y Montroll en la introducción de "Origami Sea Life" donde menciona precisamente a los cangrejos de Kasahara y deYoshisawa como ejemplos de dos autores creando "al mismo tiempo" (nuevamente... quien sabe...) y uno desarrollando un método para poner ocho patas mientras Kasahara le ponía sólo dos!
Lo de los dos papeles no es un tema que me preocupe en sí mismo, (aunque no es una vertiente que yo elija para mis modelos) lo menciono solamente porque la constricción a un sólo papel colaboró mucho al desarrollo de las técnicas para obtener más puntas.
Si el concepto de "para más puntas se necesitan más papeles" hubiese prevalecido, hay muchas técnicas que hoy no existirían. A pesar de eso, muchos autores (Yoshisawa, como tu bien dices, pero también Halle, Momotami, etc) hoy en día eligen armar algunos de sus modelos a partir de más de un papel. Sólo puedo suponer las razones, que pueden ser la simplicidad tanto para diseñar como para doblarlos luego, menor acumulación de capas, posibilidad de más de dos colores, etc. Pero ciertamente que existen técnicas para diseñar casi cualquier cosa que pueda ser hecha con dos papeles, pero con un un sólo papel, y probablemente cualquiera de estos autores las conocen bien!..."

Así que por hoy sólo dejo esto y la reafirmación que en la discusión sana y el intercambio de ideas todos ganamos.
Muchas gracias Carlos Pomarino. De paso aprovechamos a volver a ver tu llama, símbolo de Origami Perú.

ORIGAMI "HIPERPURISTA"

2006-02-16T11:30:00.000-07:00

En teoría no existe nada llamado así pero en la práctica hay un origami que no tiene dobleces estimados, tiene casi únicamente dobleces con ángulos múltiplos de 22,5° (o de 15° llegado el caso), y se limita a unos pocos pasos de terminación, tal vez tres o cuatro pero a veces uno o ninguno.
Al no tener casi pasos de terminación, el patrón de dobleces colapsado ES prácticamente el modelo, factor que los amantes de estos rompezabezas de una sola pieza agradecen.
Este tipo de modelos tienen un aspecto bastante característico, pero al contrario de lo que podría pensarse no son necesariamente rectos, rígidos y sin vida. El concepto subyacente es que cualquier cosa que se quiera expresar en el modelo tiene que poder ser hecha usando dobleces "exactos" y que no hace falta nada más.
No estoy diciendo que todo el origami deba ser así. Estoy reconociendo la existencia de un estilo que me resulta muy atractivo y que ha dado algunas de las mejores obras de todos los tiempos. En el caso del buho de Komatsu por ejemplo queda demostrado que incluso la tridimensionalidad se puede lograr usando únicamente este tipo de ángulos y muy poca terminación (el modelo se torna 3D casi sobre el final del diagrama ¡en un sólo paso de terminación!)

Voy a llevar esto un poco más lejos. Con las tres condiciones que tenemos para el estilo no puedo dejar de pensar... en el origami tradicional (por supuesto que en el origami tradicional se usaban cortes, pero los modelos que se salvaban de las tijeras solían tener las "reglas" que describo aquí)
Creo que de alguna manera este origami es (no voy a decir el heredero, pero...) la versión evolucionada en línea recta del origami tradicional purista.
La estructura más compleja aceptada en el origami tradicional era probablemente la base de rana. No es demasiado arriesgado decir que los diferentes niveles de complejidad alcanzados por el origami en la segunda mitad del siglo 20 tienen ese punto de partida (la base de rana)
Desde allí se avanzó hacia muchos lados al mismo tiempo: varios papeles, variedad de angulos, variaciones de las bases tradicionales, dobleces curvos, "box pleating".
Pero de todos, hay un elemento que es necesario entender: lo que cambió fue la unidad de construcción de los modelos. En libros como Creative Origami de Kasahara la unidad para diseñar una pata, rabo o cabeza era una aleta de una base tradicional. La aleta era casi indivisible. El propio Kasahara dice en ese libro que la manera de obtener un animal con cuatro patas es usando dos papeles, uniendo dos bases de pájaro, pero no plantea muy claramente que exista la posibilidad de obtener bases diferentes a las tradicionales adaptadas a un cuadrúpedo.
Para ese entonces ya existían autores como Yoshisawa o Peter Engel que dividían las aletas a gusto inventando métodos para generar gran número de puntas y escapaban así a la dictadura de las bases tradicionales.
Las variaciones "blintz" de las bases tradicionales así como muchas divisiones de puntas tienen exlcusivamene ángulos múltiplos de 22.5 , por lo que la línea del origami tradicional se mantiene pero aumentando el nivel de complejidad.
En el origami "hiperpurista" de hoy ya difícilmente se reconozca alguna base tradicional (y probablemente entonces le llamaríamos "neotradicional" o algo así!)
Este tipo de origami puede alcanzar niveles de complejidad comparables a cualquier otro estilo, pero siguiendo reglas todavía más acotadas que las del, ya de por si acotado, origami.
Me gusta pensar en este estilo como el que ha logrado trasladar la simplicidad de los métodos de las figuras tradicionales y la ha usado para formar estructuras mucho más complejas.
Pero también ha traído algunas formas complejas al origami de muy pocos dobleces. Por eso lo veo como una encrucijada de lo más simple y lo más complejo.
Además diseñar las terminaciones de los detalles de tal manera que tengan determinados ángulos y que sea posible incluirlas razonablemente en el patrón de dobleces es un ejercicio impresionante de control sobre el papel y el proceso de doblado.

Para el que quiera practicar con el patrón de dobleces de un modelo con estas características dejo aquí un ejemplo.
En la entrada anterior de este blog incluí cuatro fotos de modelos que había estado trabajando la semana anterior: tres de ellos son figuras hiperpuristas.
El más complejo de los tres es este Elefante acróbata que tuvo un par de días más de trabajo para llevarlo casi por completo al estilo. El patrón de dobleces tiene sólo una línea (la que forma el borde posterior de las patas delanteras) con un ángulo que no es múltiplo de 22.5 , y una vez colapsadas todas las líneas hay que hacer únicamente un doblez reverso bajando la cola para que la figura quede terminada.

SIMPLE (?)

2006-02-08T23:34:00.000-07:00

Debo confesar, siempre quise diseñar simple.
El asunto es que diseñar complicado es mucho más fácil. Los modelos realmente buenos y logrados con unos pocos elementos son un reto mayor para el diseñador.
Por algo Nick Robinson o Hatori Koshiro defienden fieramente lo que hacen. Pero ni siquiera hablo de llegar tan lejos como el minimalismo o el "pureland" sino simplemente de los modelos con pocas líneas, en los que el efecto se logra con una pose o con algún elemento anatómico dominante.
Pero en definitiva ¿qué elementos convierten a un modelo en más simple o más complejo?

Aparentemente es muy fácil darse cuenta cuando algo es complicado o simple.

Existe una escala de complejidad (he escuchado que se le atribuye a Montroll pero no estoy seguro si esto tiene algún fundamento) que habitualmente se usa en los libros de origami. Algunas veces se califica del 1 al 4 y otras del 1 al 5. Se usan nombres como simple, intermedio, complejo y muy complejo y existen muchas versiones del tema (me gusta particularmente una escala que incluye el nivel ¡"intrincado"!)
Pero lo que sistemáticamente falta es un criterio bien explicado de porqué un modelo es evaluado de determinada manera. He seguido varias veces las conversaciones que surgen sobre el tema, especialmente en la "O-list" y sistemáticamente fallan en explicar porqué un modelo debería ser considerado en un punto u otro de la escala de dificultad y ni hablemos de dar algún método objetivo para medirlo. En general se explica, un tanto vagamente, mediante los tipos de dobleces que contiene la secuencia. Existe un límite bien neto marcado por el origami "pureland" en que sólo se admiten los valles y montes, pero el resto del origami cae en una nebulosa mal definida. Una de las pocas cosas que podemos medir objetivamente de un modelo es el aporte de Lang que calcula cuan eficiente matemáticamente ha sido el modelo en el uso del papel, pero esto, por cierto no es una escala de

dificultad (y a mi gusto tampoco necesariamente de calidad, pero eso es otro tema...)

Voy a intentar mencionar una lista de criterios, más o menos medibles, de complejidad (o simplicidad) de modelos de origami y voy a explicarlos brevemente, intentando comprender porqué a veces algo muy sencillo es complicadísimo y viseversa.

1. Número de dobleces.

Una manera simple de objetivar cuanto se ha trabajado sobre un modelo. Por ejemplo el gallito de la foto tiene 25 dobleces diferentes. Sólo he tomado en cuenta los dobleces que permanecen doblados en la figura terminada, por eso los he contado sobre el patrón de dobleces sin tomar en cuenta los pliegues "de construcción".

2. Número y variedad de pasos.

El número de pasos parece ser un criterio obvio y tiene una altísima correlación con la escala clásica de dificultad. Cobra aún más sentido si lo relacionamos con el parámetro anterior e intentamos medir cuantos dobleces se generan en cada paso o dicho de otra manera, la proporción pasos/dobleces.

Yendo a un ejemplo, a veces encontrar un punto en el papel toma 4 o 5 pasos, por lo que aumentaría la relación. Es de notar también que esto suele ocurrir en modelos más complejos, especialmente aquellos con diseño matemático.

Sin embargo la cuenta puede ser engañosa cuando aparecen los pasos repetitivos. Por otro lado sería lógico pensar que un modelo cuyos pasos son todos diferentes es más complejo que uno que

se limita a repetir una y otra vez el mismo movimiento en forma rutinaria.

3. Regularidad y variedad de los ángulos del pátrón de dobleces.

Nuevamente el patrón de dobleces aparece como un elemento en el que se puede medir dificultad. Voy a considerar que los modelos en los que predominan los ángulos múltiplos de 22,5 son más simples que los que tienen predominancia de otros ángulos. Pero también se debería integrar de alguna manera a este criterio la diversidad de ángulos, siendo más complejo cuanto más diversos sean los ángulos.

¿Se adapta este criterio a los modelos hechos por "box pleating"? Creo que si. En términos generales un modelo que contenga solamente ángulos de 90 y 45° no puede ser muy complejo y si resulta serlo será porque tiene un gran número de dobleces y un gran número de pasos por lo que siempre habrá otros criterios que expliquen su dificultad.

Por otra parte estos modelos suelen presentar ángulos de "box pleating" sólo hasta la base pasando luego a tener una mayor variedad de ángulos

4. Número y variedad de elementos diferentes en el modelo terminado.

Mientras que los tres criterios anteriores miden directa o indirectamente la estructura interna del modelo, este por el contrario intenta medir lo complejo del aspecto externo.

Pienso que este criterio es indispensable para explicar algunos modelos "engañosos", cuya apariencia externa tiene pocas particularidades pero por alguna razón se necesitan muchos pasos o muchos dobleces o ángulos muy extraños para lograr ese aspecto aparentemente fácil.

Como "elementos diferentes" se pueden considerar desde los cambios de color hasta la variedad del largo de los apéndices de un insecto (por algo el escorpión "varileg" se llama así, y es mucho más complejo que el escorpión con patas de largo regular) pero también se deben considerar los planos, adornos y cualquier cosa que está representada en el papel. Si vemos un caso como el de la carpa con escamas de Lang tedremos 900 elementos representados (gran dificultad) pero no diferentes, si las escamas fueran diferentes, como en el pangolín de Joisel o el Arawana de Cheng Chit, la dificultad sería mucho mayor aun.

5. Linearidad de la secuenciade doblado.

En lugar de hablar de los tipos de dobleces considerados difíciles que presenta la secuencia (hundidos, dobles reversos, etc) prefiero tomar en cuenta cuan lineal resulta el método. El tiempo (medido en pasos) que el modelo permanece en forma tridimensional aumenta la dificultad del doblado. Una secuencia en que cada paso comienza y termina en un plano es notoriamente más sencilla.

Muchas veces los dobleces "3D" se usan para "ahorrar" pasos 2D por lo que una secuencia puede aparecer como artificialmente corta; tomando en cuenta el criterio de linearidad se compensa el artificio.

6. Número de dobleces de terminación.

En el mundo ideal las terminaciones comienzan donde termina lo que puede razonablemente ser representado en el patrón de dobleces. No es siempre el caso ni mucho menos pero como criterio general y tomado con cierta flexibilidad me parece válido.

Una gran cantidad de dobleces de terminación (a veces "no formales", con proporciones estimadas, etc) generalmente se consideran como un factor que dificulta un modelo. Los modelos humanos de Hojyo (¡que satisfacen todos los criterios de alta dificultad aquí enumerados!) suelen tener (por si fuera poco) una gran cantidad de terminaciones luego de las base haciéndolos todavía más difíciles.

Pero este criterio me gusta también para explicar fenoménos "raros" del origami que aparentemente no se adaptarían a esta lista como son las máscaras de Joisel o los obras de Giang Dinh. Estos modelos resultan estar constituidos prácticamente sólo por "terminaciones" desde el comienzo.

Entonces tienen pocos dobleces (simple) , pocos pasos (simple), a veces pocas partes diferentes (simple), pero la variedad de ángulos "raros" y sobretodo el hecho de estar construidos casi enteramente mediante dobleces informales y de tener una gran cantidad de pasos 3D los puede convertir en complejos (pero probablemente NO "supercomplejos" debido a la falta de los otros elementos)

..............................................................................................................................................................

¿Vale la pena fabricar una complicada escala de dificultad con estos 6 puntos?

Francamente no lo creo, pero me resultan muy útiles para describir el tipo de modelo del que estamos hablando y caracterizar donde reside su dificultad.

Tomemos por ejemplo un modelo como el famosísimo león de Komatsu. No existe por ahora una secuencia de doblado publicada para el modelo y cualquier intento por diseñarla termina dando muchos pasos en 3D, demasiados para dibujar un diagrama razonable, eso es aparentemente su mayor dificultad, pero también el número de dobleces en el patrón de dobleces es altísimo. Tiene sin embargo elementos que lo hacen menos complicado que otros modelos: la regularidad de los ángulos y un mínimo de pasos de terminación.

Es interesante ver como Komatsu ha convertido la regularidad de los dobleces y el mínimo posible de pasos de terminación casi en una premisa comparable quizás a las reglas del "pureland". Estas dos particularidades de sus modelos es lo que los mantiene alejados de la supercomplejidad que "deberían tener" de acuerdo a otros parámetros, incluyendo la cantidad y variedad de elementos representados, como las rayas del tigre, el lomo del lobo o las plumas de águila.

De manera similar muchos diseños de insectos tienen un patrón de dobleces bastante regular en sus ángulos pero una enorme cantidad de dobleces, pasos y apéndices representados los convierten en complejos.

Aparentemente es difícil diseñar modelos en los que todos los criterios tiendan al máximo de complejidad como Yoshino Issei en su "supercomplex origami"

El camino más común es mantener uno o dos criterios dentro de lo sencillo para poder complicar otros.

Por ejemplo en el diseño de mi Hipocamppus representé muchos elementos y cada uno muy diferente al otro, pero no fui muy arriesgado en los ángulos pues predominan los múltiplos de 22,5.

De la misma manera podemos considerar el uso de ángulos poco comunes si mantenemos bajo el número de dobleces; es muy difícil seguir doblando con lógica por demasiados pasos si no tenemos algún ángulo conocido en el que apoyarnos.

Los modelos no pueden ser calificados como simples o complejos tomando en cuenta uno o dos parámetros solamente. Hay una variedad de cosas que los empujan hacia la sencillez o la complicación. En general uno de esos elementos pesa más que los otros para un determinado modelo y es en base a este elemento que será calificado. Los modelos que por alguna razón "deben" ser muy complicados (supongamos un erizo de mar) tienen que resolver parte del problema de una manera muy simple (supongamos dobleces repetitivos y ángulos regulares) pues de otra manera se convertirían en tan complejos que no podrían ser ni siquiera diseñados.

Cada autor decide de acuerdo a su naturaleza y criterio estético que parámetro sacrificar hacia la simplicidad y cual complicar.

Finalmente llego (un poco apresuradamente) que estos parametros pueden también ser usados hasta cierto punto como criterios de "calidad" más amplios que la constrictiva "eficiencia del uso del papel". En este sentido podemos pensar cuan bien se prestan unos parámetros al servicio de otros. ¿Cuantos dobleces se necesitaron para representar tales o cuales elementos? o ¿son los ángulos innecesariamente irregulares? o ¿podría lo mismo ser hecho son una secuencia plana?

Y todo tiene sentido partiendo del postulado que en el origami, más simple es mejor y que no intentamos hacer las cosas difíciles sin un propósito que valga la pena.